Nelson Mandela

Nelson Mandela nació el 18 de julio de 1918 en Mvezo, un poblado de 300 habitantes cerca de Umtata en el Transkei. Pertenecía al clan Madiba de la etnia xhosa, fue uno de los 13 hijos, que tuvo su padre Gadla Henry Mphakanyiswa o (también llamado Henry Mgadla Mandela), con sus cuatro esposas por un consejero principal de la casa real Thembu; a su vez era nieto de rey (Ngubengcuka, que falleció en el año 1832); su madre era Nonqaphi Nosekeni Fanny tercera de las esposas de Gadla Henry Mphakanyiswa.
Después de finalizar la secundaria, comenzó a estudiar en el Colegio Universitario de Fort Hare para obtener su título de Bachiller en Artes. Allí fue elegido como miembro del Consejo de Representantes Estudiantiles, fue expulsado junto con un compañero, por participar en una huelga estudiantil. Se trasladó a Johannesburgo, donde en 1941 completó sus estudios de bachillerato por correspondencia en la Unisa. Luego estudió derecho en la Universidad de Witwatersrand, donde se graduó, en 1942, como abogado.
Se casó tres veces, teniendo 6 hijos. De su primera esposa Evelyn Ntoko Mase, fallecida en abril 30 de 2004 de neumonía,3 se divorció en 1957 después de 14 años de matrimonio. Una hija de este matrimonio murió en edad de lactancia. Su primer hijo Madiba Thembekili falleció en 1969 en un accidente automovilístico. El 6 de enero de 2005 murió el segundo hijo de Mandela y de su primera esposa, Makgatho Mandela, a la edad de 54 años en Johannesburgo a raíz de una enfermedad asociada al sida, era abogado y hombre de negocios, casado dos veces y padre de 4 hijos.
Después de 38 años de matrimonio con Winnie Madikizela (Winnie Mandela), se separó a causa de escándalos políticos en abril de 1992 y finalmente se divorció el 19 de marzo de 1996. Con Winnie tuvo dos hijas, Zenani (Zeni), nacida el 4 de febrero de 1958, y Zindziswa (Zindzi), nacida en 1960.
En su 80 cumpleaños, el 18 de julio de 1998, contrajo matrimonio con Graça Machel, la viuda de Samora Machel, el antiguo presidente de Mozambique y patrocinador del ANC, fallecido en 1986 en un accidente de avión.
Mandela es un apasionado de la música clásica de Georg Friedrich Händel o Piotr Ilich Tchaikovsky, que acostumbra escuchar disfrutando de los atardeceres.


Actividad política
Después de la creación del Partido Nacional Sudafricano en 1948, con su política de segregación racial, (el apartheid), Mandela cobra importancia dentro del Congreso Nacional Africano, especialmente en la Campaña de desobediencia civil de 1952, y el Congreso del Pueblo de 1955, en el que la adopción de la "Carta de la Libertad" provee el programa principal en la causa contra el apartheid.
Durante esta época, Mandela y el abogado Oliver Tambo dirigen un despacho de abogados que proporciona consejo legal de bajo costo a muchos negros que de otra manera no hubieran tenido representación legal.
Inicialmente comprometido con los métodos no violentos de resistencia, siguiendo la inspiración de Gandhi, Mandela y otros 150 compañeros son arrestados el 5 de diciembre de 1956 y sentenciados a prisión, que cumplen entre 1956 hasta ser liberados en 1961, cuando se les declaró no culpables.
Entre 1952 y 1959, el Congreso Nacional Africano sufre una ruptura, y surge una nueva clase de activistas negros, los africanistas, en demanda de acciones más drásticas contra el régimen del Partido Nacional. La dirección del Congreso Nacional Africano, liderada por Albert Lutuli, Oliver Tambo y Walter Sisulu, sienten no sólo que los acontecimientos se precipitan, sino también que su liderazgo comienza a estar en juego. En consecuencia refuerzan su posición mediante alianzas con pequeños partidos políticos de diversa representación étnica, intentando aparecer con horizontes más amplios que los africanistas.
El estatuto de la libertad emitido en la conferencia de Kliptown es ridiculizado por los africanistas por permitir que los 100.000 votos del Congreso Nacional Africano sean relegados a un voto simple en una alianza parlamentaria, en la que cuatro de los cinco secretarios generales representantes de los partidos políticos eran miembros del Partido Comunista Sudafricano (SACP), el más leal de los partidos comunistas a la ideología de Moscú, y que por entonces había sido secretamente reconstituido.
En 1959 el Congreso Nacional Africano pierde su soporte militante cuando la mayoría de los africanistas, con apoyo económico de Ghana y ayuda de los Basotho en el Transvaal, se separan para formar el Congreso Pan-Africano (PAC), bajo la dirección de Robert Sobukwe y Potlako Leballo.
En marzo de 1960, tras la Masacre de Sharpeville sufrida por los activistas del PAC, y la consecuente exclusión política del SACP y el ANC, ambos se suman al Movimiento de Resistencia Africano (renegados liberales), y el PAC comienza la resistencia armada. El ANC/SACP utiliza la Conferencia Pan-Africana de 1961, en la que todos los partidos deciden una estrategia común, para una dramática llamada a las armas de Mandela, anunciando la formación del comando "Umkhonto we Sizwe" (Lanza de la nación), a imagen de los movimientos guerrilleros judíos (Irgún). Dicho comando fue dirigido por el mismo Mandela, con ayuda de activistas judíos como Denis Goldberg, Lionel Bernstein y Harold Wolpe. Mandela estuvo involucrado en el planeamiento de actividades de resistencia armada y era considerado un terrorista tanto por las autoridades del régimen sudafricano como por la ONU.
Mandela abandonó en secreto el país y se encontró con los líderes africanos en Argelia y otros lugares. Empieza a descubrir la profundidad del apoyo al Congreso Pan-Africano, y la creencia generalizada de que el Congreso Nacional Africano era una pequeña asociación tribal Xhosa manipulada por blancos comunistas, y retorna entonces a Sudáfrica decidido a reorganizar los elementos nacionalistas africanos en la alianza parlamentaria.


Símbolo de libertad
Mandela fue el prisionero número 466/64, esto es que fue el preso número 466 en 1964 en la isla de Robben, durante 17 años en precarias condiciones. Posteriormente pasaría otros 10 años más en otras dos prisiones diferentes, sumando una pena total de 27 años. El gobierno de Sudáfrica rechazó todas las peticiones de que fuera puesto en libertad. Mandela se convirtió en un símbolo de la lucha contra el apartheid dentro y fuera del país, una figura legendaria que representaba la falta de libertad de todos los hombres negros sudafricanos.


Prisión
Nelson Mandela fue encarcelado en la prisión de Robben Island, donde permaneció durante dieciocho de sus veintisiete años de presidio. Mientras estuvo en la cárcel, su reputación creció y llegó a ser conocido como el líder negro más importante en Sudáfrica. En prisión, él y otros realizaban trabajos forzados en una cantera de cal. Las condiciones de reclusión eran muy rigurosas. Los prisioneros fueron segregados por raza y los negros recibían menos raciones. Los presos políticos eran separados de los delincuentes comunes y tenían menos privilegios. Mandela, como prisionero del grupo más bajo de la clasificación, sólo tenía permitido recibir una visita y una carta cada seis meses. Las cartas, si llegaban, eran a menudo retrasadas durante largos períodos y leídas por los censores de la prisión.
Mientras estuvo en la cárcel Mandela estudió por correspondencia a través del programa externo de la Universidad de Londres, obteniendo el grado de Licenciado en Derecho. Fue nombrado para el cargo de Rector de la Universidad de Londres en las elecciones de 1981, pero ganó la Princesa Anne.
Uno de los aspectos menos conocidos de su cautiverio fue la falsa operación de fuga que el servicio secreto Sudafricano preparó en 1969. El verdadero objetivo era asesinar a Mandela bajo la apariencia de una recaptura. Pero el Servicio de Inteligencia Británico tuvo conocimiento del complot y frustró toda la operación. El agente secreto inglés Gordon Winter lo narra en su libro de memorias "Inside Boss", publicado en 1981.
En marzo de 1982 Mandela fue transferido de la isla de Robben a la prisión de Pollsmoor, junto con otros altos dirigentes del ANC: Walter Sisulu, Andrew Mlangeni, Ahmed Kathrada y Raymond Mhlaba. Se ha especulado que se trataba de eliminar la influencia de estos líderes en la nueva generación de jóvenes activistas negros encarcelados en Robben Island.[cita requerida] Sin embargo, el Partido Nacional, por medio del ministro Kobie Coetsee, dijo que la medida era para permitir un contacto discreto entre ellos y el Gobierno sudafricano. En febrero de 1985 el Presidente Botha ofreció la liberación condicional de Mandela a cambio de renunciar a la lucha armada. Coetsee y otros ministros habían desaconsejado a Botha que tomara esta decisión, argumentando que Mandela nunca comprometería a su organización a abandonar la lucha armada a cambio de la libertad personal. Mandela rechazó de hecho la oferta, haciendo un comunicado a través de su hija Zindzi diciendo: "¿Qué libertad se me ofrece, mientras sigue prohibida la organización de la gente? Sólo los hombres libres pueden negociar. Un preso no puede entrar en los contratos."
La primera reunión entre Mandela y el Partido Nacional llegó en noviembre de 1985, cuando se reunió Kobie Coetsee con Mandela en el Volks Hospital en Ciudad del Cabo, donde Mandela se estaba recuperando de una cirugía de próstata. Durante los próximos cuatro años, tuvieron lugar una serie de reuniones que sentaron las bases para futuros contactos y negociaciones, pero se hicieron pocos avances reales.
En 1988 Mandela fue trasladado a la prisión Víctor Verster, permaneciendo allí hasta su liberación. Diversas restricciones fueron levantadas y personas como Harry Schwarz pudieron visitarlo. Schwarz, un amigo de Mandela, lo conocía desde la universidad cuando fueron compañeros de clase. También fue un abogado defensor en el proceso de Rivonia y más tarde será embajador de Sudáfrica en Washington.
A lo largo del encarcelamiento de Mandela, las presiones locales e internacionales sobre el gobierno de Sudáfrica para dejar a Mandela en libertad, eran notorias y en 1989, Sudáfrica llegó a una encrucijada cuando el Presidente Botha sufrió un derrame cerebral y fue sustituido por Frederik Willem de Klerk. De Klerk anunció la liberación de Mandela en febrero de 1990.


Premios y condecoraciones
Mandela ha recibido alrededor de 50 doctorados honoris causa por distintas universidades del mundo. Junto a la Madre Teresa de Calcuta, además de Khan Abdul Ghaffar Khan, ha sido el único extranjero que ha sido distinguido con Bharat Ratna, el premio civil de mayor prestigio de la India en 1958.
Orden del Águila Azteca (2010)
Arthur Ashe Award (2009)
Embajador de la Conciencia, premio otorgado por Amnistía Internacional (2006)
Llaves de la ciudad (2004)
Premio Nobel de la Paz en 1993
Premio de la Paz de Mahatma Gandhi
Orden de Canadá
Premio Príncipe de Asturias de Cooperación Internacional (1992)
Orden de San Juan
Medalla Presidencial de la Libertad (2002)
Orden al Mérito del Reino Unido (1995)
Isithwalandwe (1992)
Bharat Ratna (1990)
Premio Lenin de la Paz (1990)
Orden Nacional José Martí, Cuba (1992)
Premio Internacional Simón Bolívar (1983)
Premio Nacional de la Paz (1995)
Premio Sájarov (1988)
Escultura en el Palacio de Westminster, Londres (2007)
Orden del Mérito de la FIFA
Doctor Honoris Causa por 8 universidades de la red Laureate International Universities, la Universidad Europea de Madrid, la Universidad Andrés Bello de Chile, la Walden University (Estados Unidos), la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas, la Universidad de Bilgi (Estambul), la Universidad de Carabobo (Venezuela), la Universidad de las Américas, de Ecuador y la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria (Islas Canarias).

La cabaña de Heidegger. Un espacio para pensar.

Martin Heidegger escribió buena parte de sus obras en una pequeña y austera casita de madera en Todtnauberg, a dieciocho kilómetros de Friburgo, en las montañas de la Selva Negra alemana. Durante cincuenta años mantuvo una intensa relación con el edificio, que se convirtió en mediador imprescindible para su trabajo. Más allá de la tradición depensadores con cabaña – Heráclito, Lao-Tse, Thoreau, Wittgenstein- , el caso de Heidegger es especialmente significativo por toda la documentación y referencias que existen sobre él. La casa además sigue en pie y hoy es una suerte de lugar de peregrinaje que ha obligado a sus actuales propietarios -los familiares del filósofo – a pedir expresamente el respeto de su privacidad.

Heidegger nació en 1889 en una pequeña ciudad de provincias del sur de Alemania, cercana a la Selva Negra. Tras unos primeros años en el seminario, estudio filosofía en la Universidad de Friburgo y allí empezó a enseñar, tras la I Guerra Mundial, como asistente de Edmund Husserl. Por aquél entonces ya se había casado con Elfride Petri, con la que tendría dos hijos, en 1919 y 1920. En 1923 es nombrado catedrático de Filosofía en la Universidad de Marburgo. Ese mismo año comienza a usar la cabaña como lugar de vacaciones. Allí inicia los primeros apuntes de Ser y tiempo, que publicará en 1927 y cuya repercusión le ayudará a volver definitivamente a Friburgo, en 1928, para sustituir a su maestro Husserl, recién jubilado.

Tras su regreso, Heidegger usará con mucha más frecuencia la cabaña, donde va a pasar largos periodos trabajando. Hay poca información sobre el origen del edificio y algunos autores pensaban que era una construcción existente puesta a disposición del filósofo por el rectorado de la Universidad. Sin embargo, a raíz de las investigaciones de Adam Sharr, publicadas en su magnífico libro La cabaña de Heidegger.Un espacio para pensar (Gustavo Gili, 2006), se sabe que fue construida en el verano de 1922 para y por la propia familia. No se conoce si hubo un arquitecto detrás del proyecto, pero sí que Elfride, la prusiana esposa del pensador, organizó y supervisó la obra. El libro de Sharr -arquitecto y profesor- es el estudio más completo publicado hasta ahora sobre la cabaña. Es un texto riguroso y ágil con bastante material gráfico, incluidas muchas de las espléndidas fotografías que Digne Meller-Marcovicz realizó en 1966 y 1968 para el semanario alemán Der Spiegel, algunas de las cuales ilustran este artículo.

La cabaña, ubicada a 1100 metros de altitud, en una pronunciada ladera y con cubierta a cuatro aguas, mide en planta 6 x 7 metros y consta de una zona de estar con cocina, un dormitorio con cuatro camas, un cuarto de trabajo y una zona trasera con secadero y retrete. Tanto en la cocina como en el estudio existe una cama adicional. La casa está orientada prácticamente según los puntos cardinales y, a excepción de un muro central de mampostería, está construida toda ella en madera, con una austeridad absoluta que se refleja en la inexistente decoración. Por no haber no había ni libros en el estudio. Es curioso cómo Heidegger tenía su biblioteca en la casa de la ciudad, pero donde realmente trabajaba a gusto era en la montaña, sin un sólo libro. Si bien la casa de Friburgo, con su amplitud, su distribución tradicional y su mobiliario Biedermeier, respondía a las lógicas prioridades funcionales, sociales y estéticas asociables a la figura de un catedrático, es cierto que Heidegger no escribió nunca sobre ella, algo que sí hizo, y mucho, sobre la cabaña y sus experiencias allí. A esta distinta relación que el filósofo mantenía con las dos casas dedica Sharr un capítulo de su libro: “La falta de escritos de Heidegger sobre la casa de Friburgo parece indicar sus sentimientos ambivalentes hacia el edificio y hacia su vida familiar, que es notable en contraste con su manifiesto entusiasmo por la existencia solitaria en las montañas y con su percepción allí de resonancias filosóficas”.

Heidegger no escribió nunca de forma explícita sobre arquitectura. Rara vez aparece esta palabra en sus textos. Pese a ello, su obra ha influido enormemente sobre el pensamiento arquitectónico y sigue haciéndolo hoy más que nunca, aunque a muchos les cueste reconocerlo. Ese es, en mi opinión, el gran valor de su aportación: hablar de lo arquitectónico sin hablar de arquitectura, hablar de habitar sin hablar de edificios. La cabaña de Heidegger no existe como objeto particular, es genérica, no tiene forma. Es lo que Michel Onfray llamaría, citando a Deleuze y en referencia al Jardín de Epicuro, “un personaje conceptual, una figura, una oportunidad de filosofía y de filosofar, (…) una idea que se ha vuelto volumen”. La cabaña de Heidegger no es ninguna y es a la vez todas las cabañas, es un ámbito de mediación entre el paisaje y quien lo habita. No se trata de esa cabaña concreta, sino de las circunstancias que rodean a cualquier cabaña habitada en mitad de una naturaleza en continuo cambio y regeneración. Dice Sharr: “Por mediación de la cabaña, Heidegger convertía el paisaje en lenguaje, dentro del marco de aquella mutabilidad que él experimentaba en continua soledad. En realidad, la cabaña y sus circunstancias parecen haber sostenido la posibilidad de una presencia casi hipnótica para el filósofo”

En 1934 se le ofrece a Heidegger la cátedra de filosofía de la universidad de Berlin. A pesar del prestigio de la plaza, la rechaza y escribe a modo de justificación el texto Paisaje creador: ¿por qué permanecemos en la provincia? En él comienza describiendo con un par de frases cortas la cabaña y enseguida entra en lo que realmente le interesa: la íntima vinculación de su trabajo filosófico con la experimentación solitaria del paisaje –“yo nunca contemplo el paisaje, experimento sus cambios”, decía- y con el trabajo de los campesinos, con los que a menudo se identifica. Muchos le han tachado de hipócrita por esta comparación, pero el provincianismo funcional de Heidegger es sincero. Tras sus inevitables actividades docentes y sociales en la ciudad -a la que llamaba el engañoso mundo de abajo- necesitaba subir al mundo de arriba, sencillo y honesto, donde obtenía la estimulación intelectual necesaria para poder trabajar de verdad. Su comportamiento no era el de un ciudadano al que le gusta salir al campo, sino el de un pensador que encontraba en las montañas y junto a los labriegos los contenidos esenciales de la existencia, la materia bruta sobre la que moldear su discurso filosófico, como si de un oficio manual se tratara. La cabaña le proporcionaba el cobijo necesario.

En 1951 Heidegger asiste en Darmstadt, junto a Ortega y Gasset, a un encuentro entre arquitectos y filósofos. Allí leyó su famosa ponencia titulada Construir habitar pensar (así, sin comas, expresando la inseparable relación entre las tres acciones), quizás uno de los textos filosóficos de todos los tiempos que más ha influido sobre el pensamiento arquitectónico posterior. Sin embargo en él sólo aparece una vez la palabra arquitectura y es precisamente para indicar que no se va a hablar de ella -algo sin duda lleno de significado en un espeleólogo del lenguaje como era Heidegger-. En lugar de eso lanzó a los arquitectos -que por entonces seguían reconstruyendo Alemania- una exhortación a reflexionar sobre el sentido profundo del construir, que él identificaba con el habitar, que es la forma que el hombre tiene de estar en el mundo ycuidar la tierra. Heidegger estaba hablando, no sólo de la reconstrucción material y espacial de Alemania, sino también -y sobre todo- de su reconstrucción moral y espiritual, tras un pasado ignominioso del cual él mismo estaba intentando desvincularse para lavar su imagen. Reivindicaba una vuelta a la autenticidad y dignidad de los orígenes, frente a una concepción meramente utilitarista o funcional del progreso como la que defendía el Movimiento Moderno. Iñaqui Ábalos, en el capitulo que dedica a la cabaña de Heidegger dentro de su libro La buena vida (Gustavo Gili, 2000), dice al respecto: “Lugar, Memoria y Naturaleza, se contraponían frontalmente a Espacio, Tiempo y Técnica, por primera vez de una forma com­pletamente articulada, dando lugar a un giro que prácticamente podría describir todos los cambios de valores que han ido sucediéndose en el panorama arquitectónico desde finales de los sesenta hasta fechas recientes”.

Esa conversión del espacio en lugar -que es una de las claves de lo arquitectónico y que sólo puede realizarse a través de la mismidad del hombre- es esencial para entender la visión poética del habitar sobre la que Heidegger se extenderá tres años más tarde en el texto Poéticamente habita el hombre (1954), donde a partir del análisis de un poema de Hölderlin, acabará concluyendo que “el poetizar construye la esencia del habitar, (…) es la capacidad fundamental del habitar humano”. Esta concepción poética del habitar, que Heidegger opuso al positivismo tecnológico de la modernidad, y que tres años más tarde recogería Gastón Bachelard en su obra seminal La poética del espacio (1957), está detrás de la crucial revisión postmodernista de los setenta y del cambio de paradigma que han supuesto libros fundamentales como La casa de Adán en el Paraíso (1972), de Joseph Rykwert, The Architectural Uncanny (1992) de Anthony Vidler, Arquitectónica (1999), de José Ricardo Morales o Los ojos de la piel (2005), de Juhani Pallasmaa, entre muchos otros.

Lo arquitectónico es aquello que transforma el espacio en lugar. Esa transformación es la esencia del habitar. “El espaciar origina el situar que prepara a su vez el habitar”, escribe Heidegger en El arte y el espacio, un texto aforístico que escribió hacia 1959 y que publicaría en 1969 ilustrado por litografías de Eduardo Chillida, a raiz del encuentro que ambos tuvieron en 1968 en la galería suiza Erker. Jesús Aguirre -que hacía como que odiaba a Heidegger- llamó al texto mera cháchara, muy de las suyas, en un artículo de El País de 1989 donde, para justificar su improbable alianza creativa, insinuaba una ciertaquímica nacionalista entre el filósofo y el artista vasco.

A la figura de Heidegger le perseguirán siempre sus claroscuros personales. Lo más inquietante de él no es lo que sabemos sino lo que imaginamos, lo que intuimos en su rostro o tras las extrañas fotos de Meller-Marcovicz en la cabaña, esa ambigüedad apelmazada que nos permite imaginarlo como el abuelito de Heidi y a la vez torturando a Dustin Hoffman con un torno de dentista, al mismo tiempo como un pater familias cursilón y un donjuan comealumnas. Un “filósofo estafador de novias” y un “ridículo burgués nacionalsocialista en bombachos”, como lo llamaba Thomas Bernhard. Hasta para afiliarse al partido nazi cometió la extrañeza de elegir una facción maldita.

Parece que perdonamos a los escritores sus veleidades personales y políticas pero no así a los filósofos. Pero debería ser igual. La filosofía también produce construcciones literarias, no reglamentos ni catecismos; levanta teorías, no ideologías. Heidegger no cae bien. Valoramos la marginalidad en los intelectuales, disfrutamos imaginando a Wittgenstein o Thoreau solitarios e intempestivos  en sus cabañas, a Heráclito comiendo raíces y diciendo cosas incomprensibles, a Benjamin y sus derivas hasta la última noche en Portbou, como la última noche de André Gorz y D. en su casa de Vosnon. Pero Heidegger era tradicional, conservador, burgués y hasta nacionalsocialista.

Muchos de nuestros jóvenes estudiantes de arquitectura siguen rechazándole a priori. Sin embargo es el filósofo más profundamente arquitectónico que jamás ha existido. Y además, vigente. Pese a quien pese, su filosofía fundamenta muchos valores que hoy están redefiniendo la práctica arquitectónica en campos como el procomún, el diseño sostenible o la conservación medioambiental. Si no hubiera tenido ese calentón nazi, Heidegger probablemente sería el ídolo de losantisistema. Ted Kaczynski, el Unabomber, también tenía una cabaña.

Relatos eternos

“Cuentos para la infancia y el hogar”, de los hermanos Grimm, es desde 1812 el libro más veces impreso después de la Biblia.


Considerada la obra fundacional de literatura tradicional infantil, la compilación “Cuentos para la infancia y el hogar” escrita por los célebres hermanos alemanes Jakob y Wilhelm Grimm, cumple 200 años de su primera publicación y la Feria del Libro Infantil de Buenos Aires será el escenario para los festejos de estos clásicos que dieron la vuelta al mundo.

“Si tomamos la Biblia y los cuentos de los Grimm encontraremos reunidos todos los motivos de la literatura universal. Sus relatos y adaptaciones están entre los libros más vendidos del mundo y no pasa una noche en todo planeta sin que alguien les lea a sus chicos uno de sus cuentos”, dijo Stefan Hüsgen, director del Goethe-Institut Buenos Aires que organiza las actividades.

Protegidos por la Unesco
“Los cuentos están en casa, en todas partes”, decían los Grimm casi como un vaticinio inocente y sin imaginarse que, en efecto, la colección de sus relatos es el libro más veces impreso después de la Biblia, traducido a más de 160 lenguas y desde 2005 es parte de la herencia documental de la Humanidad protegida por la Unesco.

También considerados los padres de la filología alemana, Wilhelm y Jakob Grimm, junto con Karl Lachmann y Georg Friedrich Benecke, fueron los iniciadores en 1838 del “Deutsches Wörterbuch”, el máximo diccionario en lengua alemana terminado recién en 1971 (con 33 tomos) y son autores de la Deutsche Grammatik (Gramática alemana).

Clásicos como “Hansel y Gretel”, “La bella durmiente”, “Blancanieves”, por nombrar sólo unos pocos, perduran en el imaginario colectivo occidental y continúan siendo inspiradores, incluso como materia prima de reversiones -de disímil calidad, hay que decirlo- en la pantalla gigante. Sólo este año se estrenaron dos adaptaciones de “Blancanieves” y se espera el film de “La bella durmiente”.

Para Olga Drennen, escritora y compiladora de la edición de los cuentos tradicionales publicado en Argentina por Long Seller, la fascinación por el cuento popular se debe a que es “una de las formas más antiguas de literatura que decodifica temas universales. Uno de ellos es el sentido natural de la justicia que resulta satisfecho porque la bondad se recompensa y el mal se castiga. El orden se restaura y sobreviene un final feliz”.

¿Por qué el viernes 13 tiene mala fama?

En la Edad Media el rey Felipe IV de Francia, con el apoyo del papa Clemente V, ordenó las redadas para detener a todos los Templarios del país el viernes 13 de octubre de 1307, hecho al que se atribuye la leyenda de los malos augurios asociados a este día de la semana cuando cae en 13. El asalto a los templarios alcanzó una gran notariedad a causa de las escabrosas acusaciones que se les imputaron, la tortura a los que los sometieron los inquisidores. 

Otros historiadores sugieren que el origen de la superstición es cristiano y se remonta a la Última Cena, que tuvo trece comensales (Jesús y sus doce discípulos), y tras la cual se produjo lugar la crucifixión de Jesús, precisamente en viernes. 

Curiosamente, el viernes es el día de la semana que más veces ha coincidido en día 13 a lo largo de la historia. Según el calendario gregoriano, cada 4.800 meses el día 13 ha caído 688 veces en viernes, frente a 685 en lunes o martes, por ejemplo.

The Rolling Stones... los comienzos y primeros años de una leyenda (1962-1982)

El 12 de julio de 2012 se cumplen 50 años de la leyenda de los Rolling stones... repasaremos sus primeros años...


The Rolling Stones es una banda británica de rock originaria de Londres. Desde su gira por los Estados Unidos en 1969 se autonombraron «La banda de rock and roll más grande del mundo».



1962: fundación
Keith Richards y Mick Jagger se conocieron en la infancia, eran compañeros de clase en la escuela primaria Wentworth, de Dartford; no obstante, tras mudarse la familia de Richards, perdieron contacto. Finalmente se reencontraron en una estación de metro de Londres en 1960, por ese tiempo Richards asistía al Sidcup Art College, mientras Jagger estaba matriculado en la London School of Economics.En sus ratos libres Jagger cantaba con Little Boy Blue and the Blue Boys, un grupo aficionado al que pertenecía Dick Taylor, también amigo de Richards y estudiante de la Sidcup Art College. Al poco tiempo Richards se integró al conjunto.
A principios de 1961 llegó a la capital inglesa Brian Jones, ex integrante de The Ramrods, banda de su nativa Cheltenham. Tras su llegada participó ocasionalmente con el grupo de Alexis Korner, Blues Incorporated, un grupo importante dentro del circuito R&B londinense. Jones quería formar una banda de R&B y puso un anuncio en el semanario Jazz News, al cual respondieron el guitarrista Geoff Bradford y el pianista Ian Stewart.
Una noche a inicios de 1962 Jones, conocido en ese entonces como Elmo Lewis, y su grupo se presentaron en el Ealing Jazz Club. El espectáculo le causó una grata impresión a Richards, y tras una breve conversación con Lewis, Bradford, Jagger, Richards y Taylor pasaron a formar parte de su grupo. Para la primavera Bradford y Taylor abandonaron la agrupación, y contrataron al baterista de Cliftons Tony Chapman. Antes de la salida de Taylor, Brian Jones bautizó a la agrupación como The Rollin' Stones después de escuchar la canción «Rollin' Stone» del músico estadounidense de blues Muddy Waters.Tiempo después el bajista regresaría, aunque sólo por un breve periodo.
A mediados de año Blues Incorporated canceló su presentación en el Club Marquee,situación que fue aprovechada por la nueva banda. El 12 de julio de 1962, Jagger, Richards, Jones, Stewart, Chapman (otros citan a Mick Avory),27 y Taylor, ofrecieron su primer concierto oficial como The Rollin' Stones. Después de esta primera presentación se enmarcaron en una gira por distintos bares londinenses, sin la compañía de Chapman y Taylor, quienes decidieron salir de la agrupación definitivamente. Chapman recomendó a la banda con su amigo Cliftons William Perks, mejor conocido como Bill Wyman, quien audicionó el 7 de diciembre y al instante se convirtió en el nuevo bajista de The Rolling Stones. «Me puse mi mejor traje y me presenté en el club, buscando a Mick Jagger o a Brian Jones. Me sorprendió ver que ellos vestían muy diferente, con playeras y jeans (destacando que la de Jagger era beille). Otras cosas que no me agradaron fue darme cuenta que más que a mí, querían mi amplificador». Carlo Little aceptó cubrir la batería mientras encontraban un reemplazante, y tras una breve temporada abandonó la banda; no obstante antes de su partida recomendó la contratación de Charlie Watts, ex baterista de Blues Incorporated. Watts aborrecía el rock and roll y el blues y se mostraba reacio de abandonar su trabajo,30 pero después de varios meses de persuasión se unió a los Stones en enero de 1963, «Pensé que estaban realmente locos. Trabajaban sin cobrar y tampoco les interesaba, pero me gustaba su espíritu y el R&B, así que acepté».


1963–1964: los más nuevos creadores de éxitos en Reino Unido
El empresario Giorgio Gomelsky contrató a la banda para que tocaran cada domingo en el Crawdaddy Club de Richmond, esta residencia de ocho meses les sirvió para ganar una gran base de fanáticos, incluidos The Beatles. La creciente asistencia al Crawdaddy llamó la atención del periodista Peter Jones, quien recomendó al grupo con Andrew Loog Oldham, publicista de The Beatles. Después observarlos en Richmond los firmó junto a Eric Easton para su agencia Impact Sound el 6 de mayo de 1963. Para comercializar a la banda con una imagen de «vándalos juveniles» Oldham retiró a Ian Stewart de la formación, no obstante se quedó como ayudante en las giras y pianista de la banda en sesiones y giras. También le pidió a Richards que recortará la «S» de su apellido para que se emparejara con el apellido de Cliff Richard, estrella del pop británico de la época. A mediados de ese mes fueron contratados por Dick Rowe para la Decca Records a consejo del beatle George Harrison. Después de firmar iniciaron las grabaciones de sus primeros temas en los estudios Olimpic de Londres. Con Oldham como productor, los Stones grabaron el tema «Come On» de Chuck Berry y lo lanzaron acompañado de la canción de Muddy Waters «I Want to Be Loved» como su primer sencillo el 7 de junio. Para publicitarlo realizaron su primera aparición en la televisión británica, en el programa Thank Your Lucky Stars, y emprendieron su primera gira oficial por Inglaterra, siendo teloneros de Bo Diddley, Little Richard y The Everly Brothers.Pese a esto la canción no tuvo la repercusión deseada y sólo escalaron hasta la posición 21 en el listado de éxitos del Reino Unido. Con el fin de impulsar la carrera del grupo Oldham le pidió a John Lennon y Paul McCartney de The Beatles que le compusieran una canción a los Stones, la pareja de compositores les entregaron en cinco minutos «I Wanna Be Your Man». Aquella se editó como sencillo en noviembre respaldada en el lado-B por «Stoned» (acreditada a Nanker Phelge), la primera composición original de la banda. Con esta lograron la atención del público, que lo posicionaron dentro del Top-10 británico, y los medios, quienes se centraron más en su aspecto desaseado y largo cabello que en su propuesta musical.
London Evening News (marzo de 1964)

El 17 de enero de 1964, mientras se encontraban aún de gira por Inglaterra, publicaron su primer EP, The Rolling Stones. Aprovechando el impulso comercial de «I Wanna Be Your Man», dicho material de versiones ocupó el primer puesto en la lista de los EP más vendidos del Reino Unido y permaneció en cartelera por 11 semanas. Cinco semanas más tarde sacaron «Not Fade Away», original de Buddy Holly, como su nuevo corte que no tardó en convertirse en su primer gran éxito comercial en la Gran Bretaña al posicionarse en tercero en el UK Singles Chart, contrastando con su modesto 48 en EE.UU. La enorme popularidad que habían obtenido acarreó consigo críticas constantes por parte de la sociedad británica y de la prensa, quienes se quejaban de su aspecto «desaliñado» y la forma «obscena» de sus interpretaciones. De lo anterior surgieron las comparaciones con The Beatles, situación que deseaba Oldham debido a que ideó a The Rolling Stones como la antítesis de la banda de Liverpool.El álbum debut de The Rolling Stones apareció el 17 de abril, bajo la producción de Oldham y Eric Easton. Titulado simplemente The Rolling Stones, el LP resultó prácticamente una reproducción de un concierto de los Stones, grabado en una sola toma en los Regent Studios de Londres, y contenía una colección de rock, R&B y blues en los cuales resaltaron la batería, la armónica y las guitarras. Además de numerosas versiones, incluía la primera composición de Jagger y Richards, una balada de corte acústico titulada «Tell Me (You're Coming Back)», y unos temas acreditados a Phelge y Phil Spector. La crítica respondió con agrado y fue bien recibido en Inglaterra, pasando 12 semanas en el primer lugar de ventas y 40 en la cartelera. Después emprendieron una gira nacional y por los Países Bajos, acompañados por The Ronettes, y tras su finalización se embarcaron en su primera gira por Estados Unidos en vísperas del lanzamiento del LP en ese país, renombrado para la ocasión England's Newest Hitmakers.
Las presentaciones no atrajeron al público norteamericano, que hacía poco tiempo había recibido eufóricamente a The Beatles.46 Esto en parte debido a sus desafortunadas apariciones en la televisión estadounidense, en The Hollywood Palace su aspecto fue motivo de burlas por parte de Dean Martin y en The Ed Sullivan Show el gran pandemónium que causaron obligó al presentador a vetarlos del programa, no obstante nunca lo cumplió. En Estados Unidos se dieron tiempo para grabar en los estudios de la Chess Records de Chicago y los RCA Records de Los Ángeles, mientras tanto editaron «Tell Me (You're Coming Back)», que llegó al 24 del Billboard Hot 100. Con la gira en plenitud liberaron su versión de «It's All Over Now» de The Valentinos, con la que consiguieron su primer número uno en el Reino Unido.49 Posteriormente fue seguido por el lanzamiento del EP Five By Five en Inglaterra y del LP 12 x 5 en Norteamérica, derivados de las grabaciones en los estudios de Chess y RCA Records. Ambos lograron altos puestos en las carteleras de sus respectivos mercados, Five By Five les anotó otro número uno en las listas de EP mientras que 12 X 5 escaló hasta la tercera posición del Top LPs de la Billboard. Para ese entonces la revista inglesa Melody Maker nombró a the Rolling Stones como la Banda del Año y designó a su corte «Not Fade Away» como Canción del Año. Con el tema blues de Willie Dixon «Little Red Rooster» volvieron a la cima de las listas británicas de popularidad por segunda vez de manera consecutiva en diciembre, en contraste su difusión fue boicoteada por las radios estadounidenses debido al contenido explícitamente sexual de la letra.


1965-1968: éxito mundial de sus satánicas majestades
Véanse también: The Rolling Stones No.2, Out of Our Heads, Aftermath (álbum), Between the Buttons y Their Satanic Majesties Request
Su segundo material discográfico, The Rolling Stones No.2, salió a la venta el 15 de enero de 1965 en la Gran Bretaña, apoderándose rápidamente de la cima de las carteleras británicas por 13 semanas.53 Reimprimiendo la fórmula de su anterior producción, Oldham conjuntó un álbum de versiones, exceptuando las inéditas «Off the Hook», «What a Shame» y «Grown Up Wrong». En Rolling Stones No.2 se observa una evolución de la banda hacia el terreno R&B y blues, integrado por temas más lentos que su predecesor y que tienen como base rítmica a la batería; además se aprecian la inclusión más constante de la slide guitar y la armónica. La publicación en los Estados Unidos se realizó al siguiente mes y al igual que en su anterior LP, sería editado bajo otra denominación, The Rolling Stones, Now!. Contrario a su versión británica este fue acompañado del éxito «Heart of Stone», que sustituyó a «Grown Up Wrong» en el álbum norteamericano, primer sencillo de la banda en el cual figuran como compositores.
El siguiente sencillo, «The Last Time», se editó tanto en EE.UU. como en Inglaterra, siendo su primer corte original en la isla británica. Con esta canción volvieron por tercera vez consecutiva a la cima de las listas de popularidad locales mientras que en Norteamérica les valió su primer éxito en el Top 10. Posteriormente publicaron la canción «(I Can't Get No) Satisfaction», tema que los llevaría al superestrellato internacional. Este daría inicio a una nueva etapa en la banda donde su música sería la nueva forma de provocación, Jagger comenzó a componer temas donde expresaba críticas hacia la sociedad, la política y el sexo femenino, situación ampliamente notable en sus canciones que fueron destinadas al mercado pop. Su nuevo sencillo, inspirado en el consumismo norteamericano, retrataba a un adolescente atormentado por una frustración general, que sumado a sus referencias a las relaciones sexuales y sus tintes anticapitalistas fue visto como un ataque al statu quo.55 No obstante el corte fue un inmenso éxito comercial tanto en su país como en los Estados Unidos, donde alcanzó por primera vez el tope de las listas y las encabezó por cuatro semanas de manera consecutiva.56 Su popularidad se extendió por todo el mundo, posicionándose en la cima de las carteleras de toda Europa, Canadá y Australia; lo que le significó a los Stones su primer número uno a nivel mundial.
Mientras tanto en Inglaterra salió su primera producción en vivo, el EP Got Live If You Want It!, registro de sus presentaciones en Mánchester y Liverpool en marzo de ese año. Paralelamente en EE.UU. pusieron en el mercado su álbum Out of Our Heads, única edición que incluyó los dos sencillos anteriores. Con la inclusión de cuatro temas originales, les significó un avance en su carrera al probarse a ellos mismos que eran capaces de escribir sus propias canciones, aunque mantenían su base R&B/blues. En su país fue publicado hasta el 24 de septiembre acompañado simultáneamente por «Get Off of My Cloud», la continuación de «Satisfaction». Al igual que la anterior, se alzó con el número uno tanto en Inglaterra como en EE.UU. y en diversas partes del globo, obteniendo por segunda vez consecutiva otro número uno a nivel internacional. Sirvió de antesala para la salida en Norteamérica de December's Children, un compilado con numerosos temas de originales extraídos de las ediciones británicas de sus álbumes y lados B además de las inéditas «Get Off of My Cloud», «Blue Turns to Grey»,« The Singer Not the Song» y «As Tears Go By»; esta última número 6 en el listado del Billboard.
En febrero de 1966 la banda regresó al mercado con «19th Nervous Breakdown», un gran éxito pese que no pasó del segundo puesto en América y Gran Bretaña. Meses más tarde liberaron una canción que rompió con los estándares R&B plasmados por los Stones en sus pasados promocionales, «Paint It, Black». El exótico riff de Brian Jones en la sitar, le dio a «Paint It Black» ese ambiente misterioso y sombrío que catapultaría a los Stones al número uno en ambos lados del Atlántico y posicionaría a la banda nuevamente en lo más alto de la cartelera mundial. Apoyándose en este golpe comercial, Decca Records puso a la venta Aftermath el 15 de abril en la Gran Bretaña. Por primera vez el grupo entregó un trabajo original, integrado en su mayoría por canciones rescatadas del proyecto Could You Walk on the Water?. Contrastando con sus anteriores producciones, ofrecieron un producto lejano de la influencia R&B y blues, y letras que llegaron a los límites de la misoginia, como «Stupid Girl» o «Under My Thumb». Musicalmente representó un cambio en la dirección de la banda, consecuencia del protagonismo y experimentación de su entonces líder Brian Jones, quien en su calidad de multi-instrumentista incorporó marimbas, dulcimer, sitar, pianos y vibráfonos; otorgándole un sonido impactante y sofisticado al trabajo. A pesar de ello Jones, víctima de severas depresiones que en ocasiones derivaron en hospitalizaciones, se comenzaba a sentir excluido de la agrupación por Jagger y Richards.
Iniciaron una travesía por Norteamérica a mediados de año para promocionar el lanzamiento de Aftermath en la Unión americana. Esta se acompañó de «Mother's Little Helper», sustituta de «Paint It Black» en la edición inglesa, un mordiente retrato de la familia inglesa que los llevó a recibir insultos de un diputado de la Cámara de los Comunes;13 al mismo tiempo se estableció en el puesto 8 del Billboard, secundado por su lado B «Lady Jane» en el 24. De regreso en septiembre emprendieron una gira nacional con Ike & Tina Turner y The Yardbirds que fue apoyada por la canción «Have You Seen Your Mother, Baby, Standing in the Shadow?». Este éxito de top 10 mundial60 también promocionaría su primer álbum recopilatorio Big Hits (High Tide and Green Grass), que vendió más de dos millones de copias.
El 20 de enero de 1967 editaron Between the Buttons en el Reino Unido, que fue su último disco bajo la dirección de Andrew Loog Oldham. El álbum era un trabajo ambicioso, la banda conjuntó las composiciones más maduras escritas por Jagger hasta ese momento, influenciado en Bob Dylan, y las complementó con la música y los finos arreglos de Jones, similares a los apreciados en The Beach Boys, para ofrecer una producción con matices y texturas de pop barroco y música psicodélica. Sin embargo los círculos de la crítica no lo recibieron con el mismo entusiasmo que Aftermath, señalando que la banda había perdido su orientación por tratar de seguirle los pasos a The Beatles, Kinks y Bob Dylan. Los temas «Let's Spend The Night Together» y «Ruby Tuesday» acompañaron a la producción, lanzados para la ocasión como un sencillo doble. «Ruby Tuesday» se convirtió en un número uno a nivel mundial, mientras que «Let's Spend The Night Together» fue relegada a posiciones más bajas principalmente porque en países como Estados Unidos fue censurada por su forma explícita en que aborda las relaciones sexuales. Por citar un ejemplo, Ed Sullivan amenazó a Jagger para que cambiara el coro («Let's Spend Some Time Together») para su presentaron en The Ed Sullivan Show.
Un mes posterior al lanzamiento de su nuevo álbum, Mick Jagger fue acusado por el periódico británico The News of the World de consumir LSD, lo que posteriormente derivaría en su arresto, junto a Keith Richards, unas semanas después.22 Poco tiempo después Brian Jones fue arrestado por posesión de cocaína y de metanfetaminas. En los juicios Jagger es condenado a tres meses de prisión, Richards a un año y Jones a nueve meses; no obstante este último salió bajo fianza y puesto en libertad condicional por la intervención de su psiquiatra, con la obligación de asistir a clínicas de rehabilitación. Tras las constantes protestas de sus fanáticos fueron liberados por el Tribunal de apelación de la Corte Suprema de Londres el 31 de julio. A su salida, graban el sencillo «We Love You» como muestra de agradecimiento a sus fieles seguidores. John Lennon y Paul McCartney colaboraban en los coros. Aunque oficialmente estaba dirigido a los fanáticos, también fue tomado como un ataque hacia el periódico The News of the World, la policía y algunos miembros de la judicatura británica.
Bajo estas circunstancias grabaron Their Satanic Majesties Request, un álbum producido por ellos mismos con el que intentaban responder al Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de The Beatles. Se trata de un álbum de rock psicodélico, posee influencias en la música oriental y africana, y pasajes experimentales a los que se incorporan múltiples instrumentos y orquestaciones. Con fines promocionales liberaron los sencillos «In Another Land», y «She's a Rainbow»; la primera, composición firmada e interpretada por el bajista Bill Wyman, incluyó la participación de Steve Marriott en los coros, mientras que la segunda tuvo arreglos de cuerda de John Paul Jones y un delicado piano de Nicky Hopkins. Para infortunio del grupo, sólo «She's a Rainbow» se hizo un lugar en las listas de éxitos. Paralelamente, el disco tampoco alcanzó las altas cifras de ventas de sus anteriores grabaciones, las primeras 25.000 copias tenían un holograma, lo que aumentó aún más el precio del álbum y dificultó su venta. Además la crítica especializada recibió fríamente a Their Satanic Majesties Request y le dedicó duros comentarios. En ese momento, tras las pobres ventas y duras críticas, representó el fracaso más grande en su carrera.


1968–1972: La banda de rock and roll más grande del mundo
Véanse también: Beggars Banquet, Let It Bleed, Sticky Fingers y Exile on Main St.
A principios de 1968 presentaron a Allen Klein, ex contador del grupo, como su nuevo mánager. Su nuevo cargo le fue asignado a manera de agradecimiento tras haberles conseguido grandes adelantos monetarios y un mayor porcentaje de ventas con Decca Records.68 Después del fracaso de Their Satanic Majesties Request las relaciones en el seno de la agrupación se deterioraron, especialmente entre Jones y Richards, en gran parte debido a que este último se emparejó con Anita Pallenberg, entonces novia de Jones. Bajo la presión de superar el paso en falso del disco anterior, Jagger recurrió a los servicios del productor norteamericano Jimmy Miller, que recientemente le había producido a Traffic. De las primeras sesiones se desprendió «Jumpin' Jack Flash», un corte con el que retornaron al panorama internacional y regresaron al primer puesto del listado de sencillos del Reino Unido después de dos años.69 Extrañamente esta pista no fue incluida en el disco porque la banda quería crear un ambiente de expectación para su próximo material.
La nueva producción tenía como fecha de salida el 26 de julio, coincidente con el cumpleaños de Jagger, no obstante su lanzamiento fue postergado por Decca debido al polémico arte del disco, el cual ilustraba un baño público sucio con múltiples inscripciones en los muros. Después de meses de negociación, llegaron a un acuerdo y sustituyeron la portada original por otra completamente blanca con tan solo el nombre del álbum impreso con letras doradas, lo que al principio generó críticas al compararlo con la portada minimalista de The White Album de The Beatles, lanzado por esas fechas. En los primeros días de diciembre vio la luz Beggars Banquet, álbum fuertemente aclamado por la crítica musical y con el que iniciaría a una serie de cuatro álbumes de estudio que habitualmente se consideran la «cima de la obra de los Stones». De igual forma tuvo una considerable repercusión comercial al establecerse en el puesto tres de ventas en Gran Bretaña y el cinco en el listado de los más vendidos de Billboard en los Estados Unidos. Con Beggars Banquet la banda regresó a sus raíces musicales, el trabajo era esencialmente una selección de temas de rock, blues y R&B, donde también se incluyeron contadas canciones con apreciable influencia en la música country. Pese a la gran reacción de crítica y público, el álbum no estuvo exento de polémica. Una de las primeras reacciones negativas hacia el LP fue la inclusión de «Sympathy for the Devil», una canción con tintes tribales en cuya letra se expone al Diablo como un miembro más de la humanidad, y se hace referencia a los pasajes más violentos de la historia como la Segunda Guerra Mundial o el asesinato de la familia Romanov. La mención del Diablo en la letra provocó miedo y repudio en diversos sectores religiosos, acusándolos de adoradores de Satanás y calificándolos de una mala influencia para la juventud. El sencillo «Street Fighting Man» también generó molestia en las autoridades. Sólo alcanzó lugares discretos entre los sencillos más populares en la Unión Americana porque le fue impedida su reproducción radiofónica y poco después también su venta debido a la portada del corte, una fotografía de unos agentes de la policía golpeando a manifestantes, y al político contenido de la letra, cuyas autoridades norteamericanas consideraron «desestabilizadora» en vísperas de la Convención Nacional Demócrata de 1968.
Entre el 11 y el 12 de diciembre grabaron en el recinto Roundhouse de Londres el especial de televisión The Rolling Stones Rock and Roll Circus, mas nunca se emitió como tal.75 Se emitió en cines hasta 1996, después de estar casi 30 años guardado en un granero de Inglaterra. Creado por idea de Mick Jagger y Keith Richards, el programa se produjo como un espectáculo circense que tuvo atracciones de artistas de circo además de contar con las actuaciones de algunos artistas famosos de ese tiempo: Jethro Tull, The Who, John Lennon, Yōko Ono, Eric Clapton, Taj Mahal, Marianne Faithfull y los propios Stones.76 De entre estas sobresalió la interpretación de «Yer Blues» por parte del supergrupo The Dirty Mac, integrado Lennon y Clapton en las guitarras, Keith Richards en el bajo y Mitch Mitchell en la batería.
Para la realización del álbum Brian Jones había contribuido esporádicamente, Mick Jagger citó: «No está psicológicamente apto para este tipo de vida». Con el paso del tiempo sus problemas de adicción se agravaban y la confianza de la banda en él disminuía, su abuso de drogas se había convertido en un obstáculo para conseguir su visa estadounidense. El 8 de junio de 1969 Jagger, Richards y Watts se reunieron en la casa de campo de Jones, Cotchford Farm, en el pueblo de Hartfield, Sussex; «Admitió que no podría seguir» y al final de la reunión, los tres acordaron despedirlo. Tras un arreglo monetario dejó a The Rolling Stones el 10 de junio, difundiendo ese mismo día un comunicado de prensa:
Ya no nos comunicamos musicalmente. La música de los Stones no es de mi gusto. Quiero hacer mi propia música antes que tocar la de los otros. La única solución es que tomemos caminos separados, aunque sigamos siendo amigos.
Tres días más tarde fue presentado el joven guitarrista Mick Taylor como nuevo miembro de la banda, quien fuera integrante de John Mayall & the Bluesbreakers. Jones se retiró a su casa de campo y planeó su retorno al mundo de la música con una banda de blues local, sin embargo, el 3 de julio de 1969, a un mes de su salida y dos días antes de que la banda diera un concierto en Hyde Park, fue hallado muerto en el fondo de su piscina.13 Janet Lawson, su enfermera, declaró:
Sobre las 10:30 de la noche Brian quiso darse un baño en la piscina. Había estado bebiendo y andaba un poco tambaleante. No estaba en condiciones de nadar, pero no me hizo caso.
Los reportes indicaron que el músico murió a causa de un ataque de asma, enfermedad que sufría desde hacía tiempo, que se le presentó mientras se encontraba nadando, aunque en la actualidad esta versión todavía es muy discutida.78 A pesar de la muerte repentina de Jones, no se canceló el concierto. Durante éste Jagger recitó Adonais de Percy Shelley y se lanzaron cientos de mariposas a manera de homenaje.22 El concierto, presentación de Taylor como nuevo guitarrista, fue grabado por Granada Televisión para ser mostrado más adelante como Stones in the Park en la televisión británica.
El 4 de julio lanzaron «Honky Tonk Women», acompañado por «You Can't Always Get What You Want» en la contracara, que se disparó rápidamente a la cima de las listas de éxitos en todo el mundo durante semanas, consiguiendo otro éxito mundial. Éste fue seguido por el disco Let It Bleed, liberado el 28 de noviembre, que incluye tanto la participación de su difunto miembro Brian Jones como la de su nuevo guitarrista Mick Taylor con dos temas cada uno. La producción fue altamente aclamada por la crítica («su gran obra maestra», en palabras del crítico de música Stephen Davis) y alcanzó el número tres en las listas americanas y el número uno en las británicas, permaneciendo 19 y 29 semanas entre los discos más vendidos, respectivamente.80 El material incluía como primera pista «Gimme Shelter», una de sus composiciones más reconocidas, ésta fue inspirada en la guerra de Vietnam y descrita por el mismo Jagger como «una canción apocalíptica».81 Ese mes iniciaron una gira por los Estados Unidos, misma en la que se autoproclamaron «La banda de rock and roll más grande del mundo»,2 mote acreditado a su mánager de giras Sam Cutler. Ésta concluyó de forma trágica con la muerte de cuatro fanáticos, tres de manera accidental, en el recital gratuito de Altamont, el espectáculo terminó cuando un joven afroamericano se precipitó rumbo al escenario con una pistola en la mano e inmediatamente fue interceptado por los Hells Angels, encargados de la seguridad del concierto, y apuñalado en medio de la confusión y la trifulca mientras el grupo interpretaba «Under My Thumb». Este hecho se observa en el documental de Albert y David Maysles, Gimme Shelter.
La banda se fortaleció con la llegada de Taylor, a pesar de la tragedia de Altamont la gira fue un gran éxito y derivó en la aparición del álbum en directo Get Yer Ya-Ya's Out! The Rolling Stones in Concert en 1970, registrado durante las presentaciones en el Madison Square Garden de la ciudad de Nueva York. Éste disco en vivo, al igual que sus dos álbumes de estudio anteriores, les ganó numerosos elogios por parte de la crítica, Lester Bangs lo calificó como «El mejor concierto que se haya puesto en un disco».85 Con el fin del año los Stones también concluían su relación contractual con la Decca Records, y a pesar de que con Get Yer Ya-Ya's Out! y «Honky Tonk Women» habían cumplido con sus cuotas de álbumes y sencillos para este sello, se les exigió entregar otra. Para disolver su unión le entregaron a la disquera «Cocksucker Blues», una canción que a la compañía le resultó no apta para algún disco o para lanzarla como sencillo, calificándola de «grotesca». En esta se relata la vida de un adolescente que llega a Londres en busca de fortuna y al final tiene que prostituirse para sobrevivir. No obstante, Allen Klein, su representante legal y financiero, se negó a dejarlos marcharse. Después de una larga disputa Klein se quedó con los derechos de todas sus canciones grabadas durante su contrato con Decca en los años 60 mientras que ellos continuaron como grupo independiente, posteriormente se dispusieron a fundar su propio sello llamado Rolling Stones Records y decidieron encaminarse a la realización de un nuevo material de estudio.
A inicios de 1970 la banda se metió al estudio de grabación para trabajar en la producción de su nuevo álbum de estudio, mismo que terminaron a finales del verano y decidieron emprender una gira por Europa en la que visitaron Suecia, Finlandia, Dinamarca, Alemania, Francia, Austria, Italia y los Países Bajos. Mientras tanto el cantante Mick Jagger incursionó en el cine como actor en los filmes Performance de Nicolas Roeg, a pesar de ser grabado en 1968, y Ned Kelly de Tony Richardson. En septiembre Jagger conoce a la modelo nicaragüense Bianca Pérez-Mora Macías en una fiesta después de una presentación del grupo,89 impresionándole tanto que se casaron poco después en una ceremonia católica el 12 de mayo de 1971 en Saint-Tropez, Francia.Mientras él entraba a una vida de lujos debido a su reciente matrimonio con la modelo latina, Richards prefería frecuentar otros círculos sociales, por lo que entabló amistad con el pionero de country-rock Gram Parsons.2 Este cambio en sus estilos de vida puso distancia en la relación entre el vocalista y el guitarrista del grupo.
El 23 de abril de 1971 editan Sticky Fingers, primer álbum bajo su propio sello, una subsidiaria de Atlantic Records. El 7 de mayo hace su estreno mundial el sencillo «Brown Sugar», nuevo corte del grupo que contó con «Bitch» y «Let It Rock», original de Chuck Berry, como lado-B para Norteamérica y Reino Unido respectivamente. El corte llegó al tope de las listas de popularidad en ambos países por dos semanas consecutivas. El disco acarreó muy buenas críticas al igual que su antecesor, destacando sus arreglos, su ambiente desconcertante y el trasfondo obscuro de las letras, que hacían referencia al uso y abuso de drogas, la esclavitud y las relaciones interraciales. La portada fue diseñada por el líder del movimiento pop art Andy Warhol, enfocándose en un pene marcado hacia la derecha en unos pantalones vaqueros y en la cremallera que lo abría.88 El material incluía también por primera vez el logotipo de la discográfica (se encontraba en la funda interior del disco), que reproduce una boca roja que sacaba la lengua, que se convirtió en el símbolo de la banda, incluyéndose en muchos objetos de merchandising de los Stones a partir de entonces. Fue diseñado por John Pasche (aunque atribuido erróneamente durante años a Warhol) mientras estudiaba diseño gráfico en la Royal College of Art. Éste fue creado a petición de Jagger, inspirado en un calendario hindú que mostraba a la diosa Kali sin cuerpo. El arte fue censurado en España por el régimen del General Franco y la sustituyeron por la imagen de unos dedos saliendo en una lata de melaza,94 también el tema «Sister Morphine» fue sustituido por «Let It Rock». Mick Taylor colaboró en varias canciones con Jagger, parcialmente debido a los apegos excesivos de droga y la cada vez mayor falta de fiabilidad que Richards le mostraba a Jagger, sin embargo, todas las canciones fueron acreditadas como de costumbre a «Jagger/Richards», lo que frustró a Taylor y contribuyó a su salida posteriormente.
Una breve gira inglesa de dos semanas en marzo marcó su despedida como residentes británicos y el comienzo de un exilio impositivo que duraría años. En la segunda mitad de diciembre Allen Klein editó el compilatorio Hot Rocks 1964-1971, bajo su propio sello discográfico ABKCO Records. El recopilatorio reunió los éxitos de la banda durante los años 60 en un formato de doble Lp. A la fecha ha obtenido doce discos de platino (téngase en cuenta que es un disco doble y en Estados Unidos se certifica por cada disco distribuido, por lo que en realidad son seis millones de unidades) y en 2002 recibió el Diamond Award por parte de la Asociación de la Industria Discográfica de Estados Unidos como reconocimiento a más de 10 millones de copias vendidas. Al ser Klein el dueño de los derechos de estas canciones, los Stones no recibieron regalías.
Las constantes presiones por parte del fisco británico los hicieron tomar la decisión de marcharse de su país y realizar un «exilio financiero» por consejo de su asesor financiero Rupert Lowenstein, un amigo 'socialyte' de Jagger descendiente de la familia Rothschild, para evitar la bancarrota causada por los altos índices de los impuestos (90% de sus ingresos) del gobierno laborista del Primer Ministro británico Harold Wilson (1964-1970).95 Eventualmente decidieron irse a vivir al sur de Francia y una vez ahí, Richards alquiló un château - para él, Anita Pallenberg y el hijo de ambos - llamado Villa Nellcôte que fue usado como cuartel nazi durante la Segunda Guerra Mundial. Al no encontrar un lugar idóneo para grabar decidieron comenzar las sesiones en el sótano del château usando su estudio móvil que fue alimentado con la electricidad de las vías ferroviarias aledañas.97
Las grabaciones iniciaron a mediados de julio de 1971 y fueron en su mayoría problemáticas y condicionadas por la adicción de Richards a la heroína.98 Durante la gran parte de éstas la banda estaba incompleta: Jagger solía escaparse usualmente para visitar a su mujer embarazada (que residía en París), Richards se encontraba casi todo el tiempo en condiciones «no adecuadas» y Bill Wyman prefería no asistir porque le incomodaba el ambiente en la casa (sólo colaboró en ocho canciones del disco). Tras estar al acecho constante de la policía, sospechaban nexos de los británicos con el narcotráfico, optaron por trasladarse a Los Ángeles, California, donde acabaron el disco a finales de marzo de 1972.98 En abril se comenzó a escuchar el sencillo «Tumbling Dice», que ocuparía los puestos #7 y #5 en las carteleras de Estados Unidos y Reino Unido respectivamente. Sirvió de preámbulo al primer doble Lp de la banda Exile on Main St., que invadió las tiendas el 12 de mayo de 1972. Aunque tuvo una buena recepción por el público, debutó en el primer lugar entre los álbumes más vendidos, la crítica especializada de la época lo acogió fríamente, argumentando una «mala producción, falta de organización (debido a las condiciones en las que se grabó) y autoindulgencia».99 No obstante, la prensa de años posteriores lo ha revalorado tan a su favor que se considera la obra maestra de The Rolling Stones y uno de los discos más importantes de la música contemporánea.
Está compuesto en su mayoría de canciones descartadas, y se caracteriza por sus melodías rústicas con una pobre producción sostenidas por su clásico rock & roll el cual se mezcló con sonidos enraizados en la música tradicional americana (blues, soul, country y gospel). Los especialistas destacaron su atmósfera densa y oscura, y los riffs y solos de Taylor y Richards.100 Capitalizando su éxito decidieron emprender a mediados del año una gira por Norteamérica y Canadá bajo el nombre de S.T.P. Tour (iniciales de Stones Touring Party, aunque oficialmente llamado North American Tour 1972). Duró cerca de un mes, durante el cual lanzaron «Happy», que llegó al puesto 22 en las listas americanas, y estuvo rodeado de gran polémica por su comportamiento desenfrenado y los múltiples incidentes que ocurrían en sus presentaciones que derivaban en múltiples detenciones. De esta travesía salió el documental Cocksucker Blues, dirigido por el fotógrafo Robert Frank, mismo que se había encargado de la portada del álbum. La película nunca se estrenó oficialmente debido a que fue impedida por los tribunales británicos por considerarla «muy obscena» pero el cinematógrafo consiguió los derechos para mostrarla en pantalla una vez al año.104 Después de una investigación de varios meses, el 2 de diciembre la banda compareció ante un tribunal de Niza para deslindarse de la acusación de posesión y consumo de drogas, días posteriores a ello Richards y su mujer Anita fueron arrestados bajo la acusación de posesión de heroína, pero fueron liberados más tarde.


1973–1977: estancamiento musical
A inicios de 1973 realizan una serie de conciertos (pequeña gira denominada Pacific Tour 1973) por Australia, Nueva Zelanda, Japón y Hawái. Les dificultaron su entrada a Oceanía, aunque sí realizaron sus presentaciones, por sus antecedentes delictivos y la mala fama que les dio el S.T.P. Tour, y les fue impedido su concierto en Japón a pesar de vender todas las entradas. Después de una secuencia de discos con gran aclamación crítica y buena aceptación del público entraron en una etapa de decadencia creativa propiciada por sus propios excesos, Keith Richards y su adicción a las drogas y Mick Jagger y su preocupación por destacar en la farándula. A finales de agosto «Angie» comienza a trepar a la cima de las listas de popularidad. Ésta canción, inspirada en Anita Pallenberg,108 los regresó a los primeros lugares en toda América, Europa y Asia, dándoles otro éxito a nivel internacional. El 31 de agosto de 1973 ponen a la venta Goats Head Soup, que fue el resultado de unas tormentosas sesiones de grabación en la isla de Jamaica a mediados de ese año.Impulsado por el éxito de sus sencillos «Angie» y posteriormente de «Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)», trepó hasta el primer lugar en Norteamérica y Gran Bretaña. Fue acompañado de una subsecuente gira promocional por Europa que inició en septiembre en Viena, Austria y acabó en Berlín, Alemania a finales del siguiente mes.
Después de la conclusión de su gira por tierras europeas el grupo se metió de lleno en la grabación de su siguiente álbum, para ello se trasladaron a mediados de noviembre a los estudios Musicland en Múnich, Alemania. La producción corrió a cargo de Jagger y Richards (bajo el seudónimo de «The Glimmer Twins»), aunque fue en Jagger en el cual recayó la dirección creativa del material debido al estado físico de Richards, ante los problemas de drogadicción de su productor Jimmy Miller. Su nuevo trabajo denominado It's Only Rock'n'Roll fue lanzado el 18 de octubre de 1974 acompañado de «Ain't Too Proud to Beg». El álbum contó con la participación del guitarrista de Faces Ronnie Wood en el tema que le da nombre al disco. Esta canción, «It's Only Rock 'N Roll (but I Like It)», había salido como sencillo unos meses antes de la aparición del álbum, escalando hasta el puesto 16 en Estados Unidos y al 10 de Reino Unido.
A pesar del éxito comercial de la banda Mick Taylor se sentía frustrado e insatisfecho profesionalmente por los constantes roces con Richards y la falta de créditos en las canciones, pese que ayudó a Jagger con la composición y grabación de las canciones del disco anterior. Cerca del final de este año se mostraba impaciente por la falta de giras, no salían desde octubre del año pasado, y por el estancamiento de la banda.Tras todo esto el 12 de diciembre de 1974 anunció que abandonaba a The Rolling Stones:
Veía que el grupo no iba a ninguna parte, no habíamos salido de gira y estaba aburrido, además tenía mis problemas personales. Una de las cosas que más me molestaba era que los Stones estaban invariablemente rodeados de una cohorte que les decían lo grandiosos que eran, las drogas no eran el problema, no es un secreto que Keith Richards era un adicto a la heroína y yo me estaba convirtiendo en uno también, pero mis problemas se hicieron peores después..
El grupo, y en especial Mick Jagger, no recibió bien la noticia, estaban a punto de iniciar la grabación de un nuevo álbum. Tiempo después la oficina de prensa del grupo emitió un boletín informando que la ruptura con el ahora ex-guitarrista había ocurrido en «buenos términos».
Después de la partida de Taylor, se tomaron su tiempo en pensar el reemplazante, el candidato natural era Wood pero no querían que abandonara a Faces y él también se negaba a dejarlos. Entre diciembre de 1974 y principios de 1975 se dedicaron a grabar su nueva producción en Múnich. Durante el transcurso de las sesiones audicionaron distintos guitarristas, entre los que se encontraban Harvey Mendel, Wayne Perkins,115 Peter Frampton, Chris Spedding, Mick Ronson, Rory Gallagher, Shuggie Otis y Jeff Beck.115 Mendel y Perkins fueron rechazados al ver que su estilo era similar al de Taylor, Frampton declinó la oferta y Beck se retiró de las grabaciones.115 Wood también fue invitado y le pidieron que se uniera a ellos para su gira por Norteamérica, lo cual aceptó. El primero de mayo de 1975 convocaron a una conferencia de prensa en Manhattan para anunciar el inicio de su nueva gira pero sorpresivamente la banda apareció tocando «Brown Sugar» en la parte trasera de un camión descapotable a lo largo de la Quinta Avenida. El Tour of the Americas comenzó el 3 de junio en Luisiana y tenían planificado presentarse en México, Brasil y Venezuela, pero se canceló de último momento debido a problemas de cambio monetario y de seguridad. Por ello le añadieron cuatro fechas más a los Estados Unidos concluyendo así la gira en agosto. Con las grabaciones aún sin completar y con la gira en curso editaron Made in the Shade, compilatorio que contenía temas de sus últimos cuatro discos. A su vez la ABKCO de Allen Klein lanzó Metamorphosis, un disco con descartes y temas alternos de sus canciones conocidas de la pasada década. Al anunciar Faces su desintegración en diciembre de 1975, Ron Wood pasó a formar parte de la agrupación, aunque no fue presentado oficialmente a la prensa hasta febrero de 1976.
El 23 de abril de 1976 sacaron a la venta Black and Blue, primer trabajo con Wood en la banda. En este también colaboraron el pianista Billy Preston y los guitarristas Wayne Perkins y Harvey Mandel, que audicionaron para reemplazar a Mick Taylor. El material fue promocionado por medio de un cartel en el cual apreciaba a la modelo Anita Russell golpeada y sometida, acompañada de la frase Estoy negra y azul - Black and Blue es una forma popular de referirse a los moretones - por culpa de los Rolling Stones, ¡pero me encanta!.118 El acto desató protestas por parte de los grupos feministas y Billboard retiró la publicidad.119 Sin embargo esto no impidió que el sencillo «Fool To Cry» se colocara en el top-10 de los Estados Unidos y la banda recibiera su primer disco de platino por parte de la RIAA. La propaganda violenta contrastó con el contenido del álbum, un disco con temas bailables y con fuertes influencias en la música negra, específicamente reggae, funk y jazz. Su más nueva colección de canciones polarizó a los especialistas, mientras el crítico Lester Bangs lo calificó como «el último álbum de los Stones que importe», el crítico Bud Scoppa le describió como «cuarenta y un minutos de superestricto, absolutamente seco, rock y soul de excelente calidad». Poco después se embarcaron en una gira que incluyó presentaciones en Alemania, Bélgica, Escocia, Inglaterra, Holanda, Francia, España, Yugoslavia, Suiza y Austria. En medio de la gira muere el tercer hijo de Keith Richards por problemas respiratorios, a menos de tres meses de su nacimiento.
Para 1977 Jagger tenía planeado la grabación de un álbum en vivo, por lo que la banda se trasladó a Toronto, Canadá, pero Richards retrasó su llegada a tierras canadienses. En febrero, Richards y su familia volaban a Canadá en la aerolínea BOAC y fueron detenidos por la aduana después de que se le encontrara droga entre sus pertenencias,125 lo que movilizó a la Real Policía montada de Canadá. El 27 de febrero la policía llegó con una orden de arresto para Anita Pallenberg y Keith Richards al descubrir "22 gramos de heroína" en su habitación.126 El guitarrista fue acusado de importación de estupefacientes, que le costaría un mínimo de siete años de cárcel, aunque al final el fiscal de la Corona reconoció que adquirió la droga después de su llegada al país, por lo que salió bajo fianza.128 Después de este incidente el grupo se presentó en el club El Mocambo los días 3 y 5 de marzo, mismos que causaron gran controversia cuando Margaret Trudeau, esposa del Primer Ministro canadiense Pierre Trudeau, fue vista en la fiesta con la banda, por lo que la prensa comenzó a especular de un romance entre ella y Ron Wood, cosa que ella negó. Para ocultar estas presentaciones del público, el club fue reservado por toda esa semana por el grupo April Wine, que aprovechó el lugar para grabar su disco Live at the El Mocambo, que fueron teloneros de los Stones. En septiembre editaron Love You Live con temas en vivo extraídos de sus giras por Estados Unidos en 1975 y por Europa en 1976, además de cuatro temas grabados en El Mocambo.
El escándalo por posesión de drogas de Richards se prolongó por más de un año hasta que al artista se le suspendió la sentencia y se le ordenó que diera dos conciertos gratuitos para la CNIB (un instituto de asistencia para las personas invidentes) en Oshawa, Ontario. Esto desencadenó a la creación de uno de sus primeros proyectos musicales fuera de la banda (que sería más comunes en Jagger en la década de los 1980), él y Wood formaron una nueva banda, The New Barbarians, para tocar en los shows del 22 de abril de 1979. Esto lo motivó a poner fin a su adicción a las drogas, que a la larga resultó. Esta etapa coincide con el final de su relación con la modelo Anita Pallenberg.131 Aunque Richards se encontraba envuelto en problemas personales y legales, Jagger continuaba con su opulento estilo de vida, era visto regularmente en el clubes Studio 54 y 21 Club en compañía de la modelo Jerry Hall, situación que influyó en su separación de Bianca Jagger.


1978-1982: segundo aire
Hacia finales de la década de los 70 comenzaron a recibir críticas por la calidad de sus trabajos debido a que no alcanzaron la aceptación que tuvieron sus producciones de principios de la década,eran considerados una banda «obsoleta» en pleno auge de la música punk. En medio de las críticas pusieron en circulación su más nuevo larga duración, Some Girls, el 9 de junio de 1978, el cual trepó directamente hasta la cima de las carteleras mundiales y se convirtió hasta la fecha en su álbum más vendido en Estados Unidos y el resto del mundo al rebasar las 10 millones de unidades. Inspirado en la música punk y disco, esta placa contenía canciones rápidas con letras cínicas y fuerte crítica social, aunque también se apreciaban su habitual dosis de misoginia y racismo, que desencadenó en fuertes enfrentamientos con diversos sectores de color en Norteamérica. Registrado entre octubre de 1977 y marzo de 1978 en los estudios Pathé Marconi de París, del álbum se extrajeron los sencillos «Miss You», «Beast of Burden», «Respectable» (en Reino Unido) y «Shattered» (en Estados Unidos), que figuraron entre las 40 principales de las radios británicas y estadounidenses. No obstante «Miss You», un tema funk/blues escrito por Jagger para la modelo Jerry Hall136 que acabó sonando como una canción disco, se consagró como el máximo éxito de la producción al ser el único sencillo, y hasta la fecha el último de su carrera, en colocarse en la cima del Billboard y desbancar del primer puesto a «Shadow Dancing» de Andy Gibb. Las reseñas de la crítica especializada fueron notablemente favorables, destacaron sus composiciones ágiles, sencillas y con buen manejo de guitarras, y su intención de acoplarse a los nuevos géneros de moda, el disco y el punk. El crítico Robert Christgau lo etiquetó como «su mejor álbum desde Exile on Main St.». A mediados del año emprenden una gira por América, ésta incluyó una presentación en el programa de televisión Saturday Night Live, donde Jagger lamió los labios de Wood frente a la audiencia. A finales de agosto regresaron a los estudios de la RCA en Los Ángeles para grabar algunas maquetas para su siguiente álbum.
Pasaron gran parte del siguiente año grabando su nuevo disco, para lo que se trasladaron a Nassau, Bahamas a finales de enero de 1979. Después regresaron a París en junio y acabaron en la ciudad de Nueva York para finales del año. La producción de The Glimmer Twins estuvo plagada de inconvenientes y fricciones entre los compositores. Las grabaciones sufrieron interrupciones por los conciertos de The New Barbarians. Éstos debutaron el 22 de abril de 1979 en un concierto gratuito a beneficio de la CNIB, con motivo de sanción impuesta a Richards por la justicia canadiense por sus problemas con el tráfico de drogas. La alineación estaba formada por los guitarristas Ron Wood, Keith Richards e Ian McLagan, el bajista Stanley Clarke, el saxofonista Bobby Keys (que también trabajaba regularmente con los Rolling) y el batería Joseph Modeliste. Posteriormente hicieron una gira por toda América entre abril y mayo, y sirvieron de teloneros a Led Zeppelin en el Festival de Knebworth realizado en agosto.
Entrando en una nueva década, publican el 20 de junio de 1980 Emotional Rescue. El mismo día del lanzamiento salió como sencillo «Emotional Rescue», que se instaló rápidamente entre las más escuchadas de las radios, alcanzó la posición número 3 en el Hot 100 de Billboard. El álbum fue bien recibido por el público y debutó entre los primeros lugares de las listas, entró en el ocho del Hot 200 de Billboard y a la siguiente semana pasó al uno, lugar en donde permaneció durante siete semanas, al igual que en Reino Unido, su primer número uno desde Goats Head Soup en 1973. Desde la salida de Sticky Fingers, todos sus álbumes habían llegado al número uno en Estados Unidos. A pesar de ello fue mal recibido por la crítica musical, calificándolo de «mediocre» e «inconsistente».Con la salida de «She's So Cold» el 19 de septiembre ponen fin a los promocionales del disco, ésta tuvo un mediano éxito en las radios. A principios de 1981 sacan Sucking in the Seventies, su cuarto álbum compilatorio oficial que servía de sucesor al Made in the Shade de 1975, éste abarcaba el material desde It's Only Rock'n Roll (1974) hasta Emotional Rescue (1980).
Decidieron volver a grabar a principios de 1981, pero para su sorpresa el productor Chris Kimsey optó por recopilar los descartes de sus últimos cinco discos debido al mal periodo que pasaban Jagger y Richards. Lanzan «Start Me Up», tema reggae del Black and Blue y descartado para el Some Girls, seguido de Tattoo You el 24 de agosto. El sencillo subió rápidamente a la cima de las listas, llegando al uno en Australia, al dos en Estados Unidos, al siete en Gran Bretaña, y lideró el Hot Mainstream Rock Tracks de Billboard durante trece semanas consecutivas.145 Sus posteriores sencillos «Waiting on a Friend» (descarte del Goats Head Soup) y «Hang Fire» (descarte de Some Girls) entraron entre los veinte primeros de los Estados Unidos. La crítica recibió con agrado la producción, destacando en su primera parte números rock sólidos y efectivos como «Hang Fire», que contrastaban con los temas blues suaves con letras personales de la segunda mitad, como «Waiting on a Friend». Debra Rae Cohen, de Rolling Stone señaló: «parecen mezquinos y tristes». El álbum se ha adjudicado cuatro discos de platino y un disco de oro en Estados Unidos y Gran Bretaña respectivamente.
Richards y Wood persuadieron a Jagger para realizar una gira por Norteamérica,148 que acabó generándoles más de $50 millones de dólares después de más de 50 presentaciones entre septiembre y diciembre.Contaron con Iggy Pop, Carlos Santana, Bobby Womack, ZZ Top, Van Halen, Heart y Prince como teloneros, y con su ex-guitarrista Mick Taylor, Tina Turner (cantando «Honky Tonk Women»), Lee Allen, Chuck Leavell y Sugar Blue como invitados especiales. A principios del siguiente año comenzaron una gira por Europa, primera en seis años, para conmemorar el vigésimo aniversario de su fundación. Para esta fueron respaldados por Chuck Leavell, ex-pianista de Allman Brothers Band, en los teclados. Para junio, mientras comenzaban su travesía, sacan Still Life (American Concert 1981) acompañado del corte «Going to a Go-Go», grabación de su última gira en América.

Los debates al interior del Congreso de Tucumán - julio de 1816

El 9 de julio de 1816  el Congreso de Tucumán declaró la independencia de las Provincias Unidas del Río de la Plata. Pero la cuestión de la emancipación no era lo único a debatirse. Durante las sesiones que se celebraron ese año, se suscitó un intenso debate respecto a la forma de gobierno que adoptarían las Provincias Unidas. A continuación transcribimos un fragmento del libro Historia Argentina, de José María Rosa, en donde el autor rescata esta polémica, y las diferentes posturas de los protagonistas de aquellas jornadas. El 26 de mayo el Congreso de Tucumán aprobaba el “plan” o nota de materias que deberían tratar en sus sesiones, elaborado por Gascón, Bustamante y Serrano. (…) El 3 de julio… (el Congreso) se dispuso entrar a tratar la independencia… (…) Solamente los diputados de Tucumán y Jujuy tenían instrucciones de hacerlo. Pero Belgrano había llegado a Tucumán con la noticia de que Inglaterra se desinteresaba de la causa de América, y por lo tanto sus consejos no tenían el valor que tuvieron los de Strangford cuando apoyaba, por lo menos de palabra, a la Revolución del Río de la Plata. San Martín era otro campeón de la independencia; por esa causa se había separado de Alvear y alejado de la logia. Güemes también la sostenía. En cuanto a las provincias de la liga de Artigas, entendían –como lo escribía Artigas a Pueyrredón el 24 de julio- que “hace más de un año enarboló su estandarte tricolor y juró independencia absoluta y respectiva” (en el Congreso de Oriente, que debió ocurrir el primer día de sus sesiones el 29 de junio de 1815. Los diputados cedieron a la presión de Belgrano, San Martín, Güemes y Artigas… Modificación del acta, y juramento (19 de julio). " ... Libres de los reyes de España y su metrópoli", podía permi­tir anexarse como colonia a Inglaterra como lo quiso Alvear en 1815, o a Portugal como habría de proyectarse en breve. Medrano pidió sesión secreta el 19 de julio y exigió que en la fórmula del juramento a tomarse al ejército se agregase “... y de toda otra dominación ex­tranjera", variándose de paso el acta pues "de este modo se sofocaría el rumor esparcido por ciertos hombres malignos de que el director del Estado, el general Belgrano y aun algunos individuos del Sobe­rano Congreso alimentaban ideas de entregar el país a los portugue-ses". Naturalmente fue acordado, aunque tal vez a regañadientes. La cuestión de forma de gobierno (julio). El 6 de julio había sido recibido Belgrano, en sesión secreta, para informar del estado de Europa y las posibilidades de la guerra contra España. Sus palabras precipitaron la declaración de la independencia. Dijo: 1) que si la Revolución había merecido en un principio sim­patías de las naciones europeas "por su marcha majestuosa", en el día y debido a "su declinación en el desorden y la anarquía... sólo po­díamos contar con nuestras propias fuerzas"; 2) que las ideas republi­canas ya no tenían predicamento en Europa y ahora "se trataba de monarquizarlo todo", siendo preferida la forma monárquica-constitucional a  la manera inglesa; 3) que la forma de gobierno conveniente al país era, por eso, la monarquía "temperada" llamando a la dinastía de los Incas "por la justicia que envuelve la restitución de esta Casa tan inicuamente despojada del trono", el entusiasmo general se despertaría en los habitantes del interior, y podía "evitarse así una sangrienta revolución en lo sucesivo"; 4) que España estaba débil por la larga guerra contra Napoleón y "las discordias que la devoraban', pero con todo "te­nía más poder que nosotros y debíamos poner todo conato en robustecer el ejército"; que Inglaterra no ayudaría a España a subyugarnos, "siem­pre que de nuestra parte cesasen los desórdenes"; 5) que la llegada de tropas a Brasil no tenía miras ofensivas contra nosotros, y sólo "precaver la infección (del artiguismo) en el territorio del Brasil"; que el carácter del príncipe don Juan era pacífico y "enemigo de conquistas", y estas provincias no debían temer movimiento de aquellas fuerzas. Las palabras de Belgrano encontraron eco cuatro días después en la declaración de la independencia, ya que debíamos hallarnos "librados a nuestras propias fuerzas". Y en el debate sobre forma de gobierno que empezaría en la sesión del 12, donde la gran mayoría -y después la unanimidad menos Godoy Cruz- estaría por la forma monárquica con un descendiente de los Incas. El origen de ese debate sobre forma de gobierno, antes de una dis­cusión constitucional, es notable. El presidente, aprobada en la sesión del 12 el acta de la independencia (que sería modificada el 19), propuso se estableciese el sello del Congreso; Bustamante observó que debería esperarse a la forma de gobierno, pues de ella depen­derían las armas y timbres que lo adornarían; Acevedo empezó a tratar el tema inclinándose por "la monarquía temperada en la dinas­tía de los Incas" con capital en el Cuzco. Fue apoyado por otros ora­dores que no nombra el acta. El debate seguiría el 15. Oro dijo que sería conveniente consultar antes la voluntad de las provincias, y si el debate seguía "precediéndose sin aquel requisito a adoptar el sistema monárquico constitucio­nal a que veía inclinados los votos de los representantes, se le permi­tiese retirarse del Congreso". Fray justo faltó a las siguientes sesiones, comunicando el 20 por boca de Laprida que "el no asistir a las discusiones acerca de la forma de gobierno era porque las consideraba extemporáneas y por la necesidad de consultar antes a su Pueblo, pero que lo haría si el Soberano Con­greso se lo ordenase" dándole un documento para satisfacer a San Juan que no le había dado instrucciones a ese respecto. Aceptado, Oro vol­vió a las sesiones. No es que fuera republicano, como ha recogido la leyenda, sino meticuloso de sus poderes. En las sesiones secretas del 4 de setiembre, donde se votó la forma de gobierno, aprobó la monarquía constitucional  - y algo más también - con el solo agregado de "que esto podrá hacerse cuando el país esté en perfecta seguridad y tranquilidad". El 19 siguió el debate: Serrano analizó las ventajas de un gobier­no "federal" (por decir republicano) "que hubiera deseado para estas Provincias", pero ahora "por la necesidad del orden y la unión, rápida ejecución de las providencias y otras consideraciones" se inclinaba a la monarquía temperada; Acevedo renovó que se adoptase la mo­narquía del Inca, adherida por Pacheco. El 31 Castro se adhirió a la monarquía constitucional con el Inca; lo mismo hicieron Rivera, Sánchez de Lorca y Pacheco, y considerando este último suficiente­mente discutida la materia pidió votación. Acepta Acevedo siempre que se vote el agregado de que el Cuzco sería la capital del nuevo reino; opónese a esto último Gascón, que quería mantener la capital en Buenos Aires. No se votó por entender que si había pronunciamien­to general en favor de la monarquía temperada, no era lo mismo en cuanto a la dinastía del Inca y a la capital en el Cuzco. El 5 de agosto Thames, que preside, se manifiesta en favor del Inca; Godoy Cruz se expresa en favor de la monarquía pero no acepta al Inca, arrastrando a Castro, que rectifica su voto en favor del Inca dado anteriormente; Aráoz cree que debe tratarse primeramente la forma de gobierno y después establecerse la dinastía; Serrano también se pronuncia en contra del Inca y es rebatido por Sánchez de Lorca y Malabia, sostenedores del monarca indígena. El 6 de agosto, Anchorena pronunció el único discurso en favor del republicanismo del debate (que rectificaría al votar), diciendo que la forma monárquica convenía a los países aristocráticos de la zona montañosa de América, pero no sería aceptada en la llanura, de hábitos más populares. Creía que la sola manera de conciliar tipos tan opuestos era "la fede­ración de provincias". ¿Quién sería el descendiente del Inca que se proponía para rey de América del Sur? ... En las burlas de los periodistas de Buenos Aires, se dijo que al rey patas sucias habría que buscarlo en alguna pulpería o taberna del altiplano. Pero no era cierto que los partidarios de la coronación de un Inca no tuvieron en cuenta quién sería el candidato: Tupac-Amaru tenía un hermano, ya casi octogenario, preso en los cala­bozos de Cádiz, y parientes en su confinamiento de Tinta. En uno u otros pensaban los diputados de Tucumán. Debe comprenderse que por el estado de las ideas en Europa, la forma monárquica parecía ser la conveniente para conseguir que se reconociese la independencia. Y antes que un príncipe español, o portugués, o fran­cés, o inglés, era más patriótico coronar uno nativo de América. El prin­cipio de la legitimidad era agitado por la Santa Alianza, ¿y qué monarca más legítimo en América del Sur que el descendiente de sus antiguos reyes? El proyecto no era tan descaminado, y debe reconocerse que la capital en el Cuzco como quería el catamarqueño Acevedo significaba la unidad de América del Sur.