Superman...75 años del héroe que cambió la historia del comic

Creación
Jerry Siegel y Joe Shuster usaron por primera vez el término Superman en un cuento llamado «The Reign of the Super-Man» («El reino del Super-Hombre»), incluido en el 

tercer número de Science Fiction, fanzine de ciencia ficción que Siegel publicó en 1933. En él aparecía como un villano calvo con poderes telepáticos, empeñado en dominar el mundo entero. Siegel reescribió el personaje en 1933, transformándolo en un héroe con escaso o nulo parecido con el villano inicial; el héroe fue modelado a partir del actor Douglas Fairbanks y su álter ego, Clark Kent, de Harold Lloyd.  A partir de entonces, Jerry Siegel y Shuster buscaron durante seis años una editorial que publicara The Superman. Se lo ofrecieron a Consolidated Book Publishing, editorial que había publicado un comic book de 48 páginas en blanco y negro titulado Detective Dan: Secret Operative No. 48. Aunque les respondieron con una carta alentadora, Consolidated Book Publishing no volvió a publicar comic books. Shuster lo tomó a pecho y quemó todas las páginas de la historia, exceptuando la portada, que Siegel logró rescatar del fuego. Tanto Siegel como Shuster compararon a este personaje con Slam Bradley, un aventurero que crearon para el primer número de Detective Comics, en 1939.Siegel contactó otros artistas, como Tony Strobl, Mel Graff y Russel Keaton, para que colaboraran en la historieta, porque sentía que «con Joe, Superman no iba a ningún lado», de acuerdo a lo documentado por el escritor Gerard Jones. Las ilustraciones hechas por Keaton, basadas en los nuevos guiones de Siegel, muestran cómo evolucionó el concepto: Superman ahora era enviado al pasado como bebé por el último hombre en la Tierra, donde es encontrado y criado por Sam y Molly Kent.  Sin embargo, Keaton no continuó con la colaboración, por lo que Siegel y Shuster volvieron a trabajar en conjunto.
Los creadores redefinieron el personaje, que se volvió más parecido a un héroe de la tradición mitológica, inspirado en personajes como Sansón y Hércules, quien enmendaría los males de los tiempos de Siegel y Shuster, luchando por la justicia social y contra la tiranía. El disfraz apareció en esta etapa y Siegel recordaba que crearon «algo como un disfraz, y vamos a darle una gran S en el pecho, y una capa, y a hacerlo lo más colorido y distintivo que podamos».6 El diseño se basó en parte en los trajes de personajes de ambientes espaciales que aparecían en las revistas de pulp y en historietas como Flash Gordon, como también en la tradicional indumentaria del forzudo de circo.6 Sin embargo, la capa es muy diferente a la prenda de la típica tradición victoriana. Gary Engle la describió en Superman at Fifty: The Persistence of a Legend como «sin precedente en la cultura popular». La malla y los calzones sobre ella, propios de los artistas circenses, se establecieron pronto como la base de la vestimenta de muchos de los futuros superhéroes. Esta tercera versión del personaje fue dotada con habilidades extraordinarias, aunque de naturaleza física, en contraposición de las habilidades mentales del Superman malvado.Shuster declaró en 1983 que tanto los nombres de las localidades como la identidad civil de Superman se inspiraron en el cine. «Jerry creó todos los nombres. Éramos grandes fanáticos del cine y nos inspiramos mucho en los actores y actrices que veíamos. En cuanto a Clark Kent, combinó los nombres de Clark Gable y Kent Taylor. Y Metrópolis, la ciudad que era su base de operaciones, viene de la película de Fritz Lang [Metrópolis, 1927], que a ambos nos gustaba».Aunque entonces le vendían material a los editores de comic books —en particular a National Allied Publishing, editorial de Malcolm Wheeler-Nicholson—, decidieron publicar su personaje en un formato de tira cómica en vez del formato de historia más largo, propio de los comic book, que se estaba estableciendo en ese tiempo. Se lo ofrecieron a Max Gaines —quien lo rechazó— y a United Feature Syndicate, quienes expresaron interés inicialmente pero terminaron por rechazar la tira en una carta fechada el 18 de febrero de 1937. Sin embargo, en lo que el historiador Les Daniels describe como «un increíblemente complicado giro de eventos», Max Gaines terminó por establecer la tira como la principal atracción de la nueva publicación de Wheeler-Nicholson: Action Comics. Vin Sullivan, editor de la nueva publicación, les escribió a Siegel y Shuster solicitando que las tiras cómicas debían adaptarse al formato de comic book, específicamente a ocho viñetas por página. Sin embargo, Siegel y Shuster decidieron ignorar este último requerimiento, usando en vez de ese formato su propia experiencia e ideas para crear la distribución de las viñetas e incluso Siegel eligió la viñeta que sería usada en la cubierta de Action Comics , la primera aparición de Superman.Siegel pudo haberse inspirado para crear el personaje de Superman por la muerte de su padre. Mitchell Siegel fue un inmigrante que tenía una tienda de ropa en el barrio de Lower East Side, en Nueva York. Murió durante un intento de asalto en 1932, un año antes de la creación de Superman. Aunque Siegel nunca mencionó la muerte de su padre en entrevistas, tanto Gerard Jones como Brad Meltzer creen que debe haberlo afectado. «Tiene que haber tenido un efecto» dijo Jones. «Hay una conexión ahí: la pérdida de un padre como el origen de Superman». Meltzer planteó: «tu padre muere en un asalto y tú inventas un hombre a prueba de balas que se convierte en el mayor héroe del mundo. Lo siento, pero hay una historia ahí».

Publicación
La primera aparición del superhéroe fue en 1938, en Action Comics 1; al año siguiente se lanzó la revista Superman. El primer número de Superman contenía aventuras que ya habían sido publicadas en Action Comics, pero a pesar de esto, alcanzó un mayor número de ventas.24 Ese mismo año, fue publicada New York World's Fair Comics, que en el verano de 1942 se transformó en World's Finest Comics. En All Star Comics 7, Superman hizo la primera de sus infrecuentes apariciones en calidad de miembro honorario de la Sociedad de la Justicia de América.

Al principio, Jerry Siegel y Joe Shuster producían todas las historias e ilustraciones para las tiras que se publicaban. Sin embargo, la vista de Shuster se comenzó a deteriorar y, con el aumento de las apariciones del personaje, aumentó la carga de trabajo. Por estas razones debió crear un estudio que lo ayudara con el arte, aunque insistió en dibujar personalmente el rostro de cada Superman producido. Aparte del estudio de Shuster, otros artistas empezaron a contribuir, como Jack Burnley, quien suministró portadas e historias a partir de 1940, y Fred Ray, que desde 1941 creó una serie de portadas, algunas de las cuales alcanzaron el estatus de icono y fueron replicadas muchas veces, como la de Superman 14. Wayne Boring, que en un principio trabajaba en el estudio de Shuster, comenzó a trabajar para DC Comics en forma independiente en 1942, creando páginas tanto para Superman como para Action Comics. A Al Plastino, aunque había sido contratado para copiar a Wayne Boring, se le permitió crear su propio estilo, y se convirtió en uno de los artistas de Superman más prolíficos durante las «Edades de Oro y Plata» de los comics books.La escritura de los guiones también se compartió. A finales de 1939, después de la partida de Vin Sullivan, un nuevo equipo editorial compuesto por Whitney Ellsworth, Mort Weisinger y Jack Schiff tomó el control de las aventuras de los personajes y contrataron como guionistas a escritores de ciencia ficción de reconocido prestigio como Edmond Hamilton, Manly Wade Wellman y Alfred Bester. En algunos países de Europa, como la Alemania nazi, se prohibió su publicación y en otros, como España, se le cambió el nombre por Ciclón.En 1943, Jerry Siegel fue llamado a enlistarse en el ejército y sus contribuciones disminuyeron en gran medida. Don Cameron y Alvin Schwarts se unieron al equipo de guionistas, con Schwartz trabajando en conjunto con Boring en la tira cómica de Superman, que había sido iniciada por Siegel y Shuster en 1939.En 1945, aparece por primera vez el personaje de Superboy en More Fun Comics 101. En 1946, se comenzó a publicar en Adventures Comics y en 1949, se lanzó su revista homónima. Le siguieron otros títulos relacionados con Superman, como Superman's pal Jimmy Olsen (Jimmy Olsen, el amigo de Superman, 1954) y Superman's girlfriend Lois Lane (Lois Lane, la novia de Superman, 1958). En 1974, todas estas publicaciones se fundieron en una sola: Superman family, que se editó hasta 1982. DC Comics presents se publicó entre 1978 y 1986, abordando misiones en equipo entre Superman y una amplia variedad de otros personajes del universo DC.En 1986, se reestructuró el universo de DC comics en las miniseries Crisis on Infinite Earths. En este contexto se publicó Whatever Happened to the Man of Tomorrow, una historia de dos partes, escrita por Alan Moore e ilustrada por Curt Swan, George Pérez y Kurt Schaffenberger.30 Se publicó en Superman 423 y Action Comics 583 y, de acuerdo a Les Daniels, presentó «la sensación de pérdida que los fans hubieran sufrido si éste fuera, en realidad, el último cuento de Superman».

John Byrne relanzó Superman en 1986, inicialmente en la serie limitada The Man of Steel. En el mismo año, se canceló World's Finest Comics y la revista Superman pasó a llamarse Adventures of Superman. En 1987, se comenzó a editar un segundo volumen de Superman, que duró hasta ser cancelado el 2006 y Adventures of Superman vuelve a ser Superman a secas. Superman: The Man of Steel fue lanzada en 1991, mientras que la publicación trimestral Superman: The Man of Tomorrow duró entre 1995 y 1999. En 2003, aparecieron Superman/Batman y la serie limitada Superman: Birthright; en 2005 y 2006, All Star Superman y Superman Confidential, respectivamente. Además, el personaje apareció en el comic basado en la serie animada Superman Adventures (1996-2002) y en las publicaciones de la Liga de la Justicia, Justice League Adventures, Justice League Unlimited y The Legion of Super-Heroes In The 31st Century, estas dos últimas canceladas en 2008.Al año 2009, Superman se publica regularmente en Superman, Action Comics, Superman/Batman y Justice League of America, mientras que es personaje invitado en otras series y suele ser crucial en los crossover ficcionales del universo DC.

Influencias
La Gran Depresión fue uno de los factores que influyó en las primeras historias de Superman. La perspectiva de Shuster y Siegel, con tendencias izquierdistas, se refleja en los primeros argumentos, donde Superman toma un rol de activista social, que lucha contra empresarios y políticos deshonestos y demuele conventillos ruinosos. Roger Sabin, estudioso de los cómics, lo ve como un reflejo del «idealismo liberal del New Deal de Franklin Roosevelt». En los programas radiales de Superman posteriores, el superhéroe continuó tocando temas sociales como en una emisión de 1946, cuando se enfrentó a una versión del Ku Klux Klan. También se menciona como influencia del trabajo de Shuster y Siegel su condición de hijos de inmigrantes judíos; de a acuerdo a Timothy Aaron Pevey, ellos crearon «una figura inmigrante cuyo deseo era ajustarse en la cultura estadounidense como un estadounidense», concepto que Pevey cree que aprovecha un importante aspecto de la identidad norteamericana.Siegel señaló que los héroes míticos de las tradiciones de muchas culturas influyeron sobre el personaje, incluyendo a Hércules y Sansón. Scott Bukatman ve al personaje como un «digno sucesor de Lindbergh... [y] también... como Babe Ruth», y que además es representativo de la dedicación de los Estados Unidos al «progreso y lo nuevo» a través de su «cuerpo invulnerable... donde la historia no puede ser inscrita».Adicionalmente, dado que Siegel y Shuster eran fanáticos reconocidos de las revistas pulp de ciencia ficción, se ha sugerido que otra influencia pudo ser Hugo Danner, personaje principal de Gladiator, novela de 1930 de Philip Wylie, y que poseía los mismos poderes del Superman inicial.Jim Steranko, historiador y creador de cómics, cita al héroe de pulp llamado Doc Savage como otra probable fuente de inspiración, ya que encuentra similitudes entre los primeros diseños de Shuster y los avisos publicitarios de Savage de la misma época: «Al principio Superman era una variante del peso pesado del pulp Doc Savage».39 Steranko argumentó que las revistas de pulp jugaron un rol importante en la formación del concepto inicial: «El concepto de Siegel de Superman personificaba y amalgamaba tres temas separados y distintos entre sí: el visitante de otro planeta, el superhumano y la doble identidad. Compuso el carisma de Superman explotando los tres elementos y los tres contribuyeron de igual manera en el eventual éxito de la tira. Su inspiración, por supuesto, vino de las revistas pulp de ciencia ficción». Steranko también identifica como probable influencia de Siegel y Shuster a las historias de Aarn Munro, escritas por John W. Campbell, que tratan sobre un descendiente de terrícolas criado en Júpiter que, debido a la mayor gravedad del planeta, es un superhombre en la Tierra, tanto de mente como de cuerpo.Como Siegel y Shuster eran judíos, algunos comentaristas religiosos y académicos especializados en la cultura popular, tales como el rabí Simcha Weinstein y el novelista británico Howard Jacobson, sugieren que la creación de Superman fue influenciada en parte por la figura de Moisés y otros elementos judíos. El nombre kryptoniano de Superman, Kal-El, se parece a las palabras hebreas קל-אל, que se pueden interpretar como «voz de Dios». El sufijo «el» —que significa de Dios— también se encuentra en los nombres de ángeles, como Gabriel, quienes son agentes del bien con aspecto humanoide, que pueden volar y poseen poderes sobrehumanos.44 Las leyendas judías del golem también se citaron como dignas de comparación; un golem es un ser mítico creado para proteger y servir a los judíos que eran perseguidos en el siglo XVI en Praga y cuyo concepto revivió en la cultura popular como referencia a su sufrimiento a manos de los nazis en Europa durante las décadas de 1930 y 1940. Además, Superman es visto frecuentemente como una analogía de Jesús, por ser un salvador de la humanidad.

Aunque el término superman o superhombre fue acuñado por Friedrich Nietzsche, no está claro que tan influyente fue el filósofo alemán y sus ideales sobre Siegel y Shuster. Les Daniels especula que «Siegel tomó el término de otros escritores de ciencia ficción quienes lo habían usado de manera informal», notando además que «su concepto lo recuerdan cientos de millones que puede que apenas sepan quién es Nietzsche». Otros autores argumentan que Siegel y Shuster «no pueden haber ignorado la idea que dominaría el nacionalsocialismo de Hitler. El concepto fue, ciertamente, bien discutido». Sin embargo, Jacobson y otros señalan que, en muchos aspectos, Superman y el Übermensch son polos opuestos. Nietzsche imaginó el Übermensch como un hombre que ha trascendido las limitaciones de la sociedad, de la religión y de la moral convencional, mientras aún es fundamentalmente humano. Superman, en cambio, un alienígena dotado de increíbles poderes, elije honrar los códigos morales y sociales humanos. El hombre perfecto de Nietzsche está más allá de los códigos morales; el hombre perfecto de Siegel y Shuster se restringe a sí mismo con un alto nivel de adherencia a esos mismos códigos.Los mismos creadores de Superman discutieron sobre varios factores que influyeron sobre el personaje. Ambos eran ávidos lectores y su mutuo amor por la ciencia ficción ayudó a conducir su amistad. Siegel citó como influencia a las historias de John Carter: «Carter era capaz de saltar largas distancias porque el planeta Marte era más pequeño que la Tierra; y tenía una gran fuerza. Imaginé a Krypton como un gran planeta, mucho más grande que la Tierra». Ambos, además, eran ávidos coleccionistas de tiras cómicas en su juventud —que recortaban del periódico— con el «Pequeño Nemo» (Little Nemo) de Winsor McKay encendiendo sus imaginaciones con su sentido de la fantasía. Shuster señaló a los artistas que jugaron un papel importante en el desarrollo de su propio estilo y que también fueron una gran influencia: «Alex Raymod y Burne Hogarth eran mis ídolos —también Milt Caniff, Hal Foster y Roy Crane—. Pero el cine fue la mayor influencia en nuestra imaginación: en especial, las películas de Douglas Fairbanks Senior». El papel de Fairbanks como Robin Hood fue, de hecho, un referente para Superman, ya que Shuster admitió que basó la postura de Superman en escenas de la película. El cine también influenció la narrativa y la distribución de las viñetas en la página, mientras que la ciudad de Metrópolis se llama así en honor a la película homónima de Fritz Lang.

Problemas de copyright
Como parte del trato que permitió que Superman fuera publicado en Action Comics, Siegel y Shuster le vendieron los derechos a la compañía a cambio de US$130 y un contrato para suministrarle material al editor. The Saturday Evening Post, en un reportaje de 1940, reveló que la pareja de creadores recibía US$75,000 anuales, una fracción de los millones de dólares de utilidad que le dejaba Superman a National Comics Publications. Siegel y Shuster renegociaron el acuerdo, pero los rencores persistieron y en 1947, los creadores entablaron una demanda para que el contrato de 1938 se declarara nulo y que se les restablecieran los derechos de la propiedad intelectual de Superman. El mismo año, demandaron a National por los derechos de Superboy, asegurando que era una creación independiente que National había publicado sin autorización. National los despidió de inmediato y quitó sus créditos de las historias, provocando una batalla legal que terminó en 1948, cuando una corte de Nueva York dictaminó que el contrato de 1938 debía mantenerse. Sin embargo, el dictamen del juez J. Addison Young les otorgó los derechos de Superboy. Siegel y Shuster también reconocieron por escrito que la compañía poseía Superman, atestiguando que ellos tenían los derechos para «todas las otras formas de reproducción y presentación, ya sea las que existen hoy o las que fuesen a ser creadas en el futuro», pero DC se negó a volver a contratarlos.En 1973, Siegel y Shuster iniciaron un nuevo pleito reclamando la propiedad de Superman, pero esta vez la demanda se basó en la Ley sobre Copyright de 1909, la que garantizaba los derechos de reproducción durante 28 años con la posibilidad de renovarlos por otros 28 años más. Su argumento planteaba que ellos habían cedido el copyright a DC por sólo 28 años. Perdieron este juicio en dos instancias: en un dictamen de una corte de distrito el 18 de octubre de 1973 y en la corte de apelaciones, el 5 de diciembre de 1974.En 1975, después de reportajes acerca de la paupérrima calidad de vida que llevaban, Warner Communications otorgó a Siegel y a Shuster pensiones vitalicias de US$20,000 anuales y beneficios de salud. Jay Emmett, quien era entonces vicepresidente ejecutivo de Warner Bros., fue citado en el New York Times declarando que «no existe obligación legal, pero definitivamente siento que hay una obligación moral de nuestra parte».52 Heidi MacDonald, escribiendo para Publisher's Weekly, señaló que aparte de la pensión «Warner acordó que Siegel y Shuster serían, de ahora en adelante, acreditados como los creadores de Superman en todos los cómics, series de televisión y películas».51En 1976, un año después de este acuerdo, el periodo del copyright se extendió otra vez, ahora por otros 19 años, dando un total de 75 años. Sin embargo, esta vez se insertó una cláusula a la extensión para permitirles a los autores reclamar su trabajo, reflejando los argumentos planteados por Siegel y Shuster en 1973. La nueva ley entró en vigencia en 1978 y permitió un periodo de reclamaciones basado en el periodo previo de copyright de 56 años. Esto significó que los derechos sobre Superman podrían ser reclamados entre 1994 y 1999, basándose en la fecha inicial de publicación de 1938. Jerry Siegel murió en enero de 1996, por lo que su esposa y su hija llenaron un aviso de término de copyright en 1999. Joe Shuster murió en julio de 1992 y sus sucesores no presentaron ninguna reclamación.En 1998 el periodo de copyright se extendió nuevamente, esta vez por la ley Sonny Bono Copyright Term Extension Act, a 95 años y con un nuevo periodo para realizar reclamaciones. En enero de 2004, Mark Peary, sobrino y heredero legal del patrimonio de Joe Shuster, llevó una notificación legal sobre su propósito de reclamar la mitad de Shuster del copyright, la terminación efectiva en 2013. El estado de la parte del copyright que le corresponde a Siegel es ahora parte de un conflicto legal. Warner Bros. y los Siegels entraron en conversaciones para resolver los problemas generados por la notificación de término; sin embargo, no lograron llegar a un acuerdo y los Siegel entablaron una demanda alegando infracción de copyright por parte de Warner Bros en octubre de 2004. Por su parte, Warner Bros contraatacó, afirmando que la notificación de término tiene defectos, entre otros argumentos.57 58 El 26 de marzo de 2008, el juez Stephen Larson de la corte de distrito del Distrito Central de California dictaminó que los herederos de Siegel tenían derecho a reclamar una parte del copyright en los Estados Unidos. El dictamen no afecta los derechos internacionales, que Time Warner posee sobre el personaje a través de DC. Deberán acordarse por medio de juicios, temas como la cantidad de dinero que corresponde a los herederos de Siegel y si sus derechos se extienden a las obras derivadas como las versiones cinematográficas, aunque cualquier compensación será sólo aplicable a las obras publicadas desde 1999. Time Warner no ofreció declaraciones con respecto al dictamen, pero tiene el derecho de impugnar la decisión del tribunal. El caso tiene una audiencia programada en una corte estatal de California para mayo de 2008.Una nota de término de derechos de reproducción similar, que fue registrada el 2002 por la esposa e hija de Siegel, acerca del personaje de Superboy, fue juzgada con un veredicto a su favor el 23 de marzo del 2006.62 Sin embargo, el 27 de julio del 2007, la misma corte emitió un comunicado revirtiendo la resolución del 23 de marzo del 2006.63 Esta resolución está siendo objetado legalmente por Time Warner, y el caso hasta ahora sigue sin resolución.Un veredicto del 9 de junio de 2009 en el caso denegó un reclamo de la familia de Siegel de que se les debían cuotas monetarias por las licencias. El juez de la Corte de Distrito Estados Unidos, Stephen G. Larson, dijo que Warner Bros. y DC Comics habían cumplido sus obligaciones con los Siegels bajo un acuerdo de compartir las ganancias de la película del 2006 Superman Returns y la serie Smallville. Sin embargo, la corte también decidió que si Warner Bros. no comienza las filmaciones de una nueva película de Superman para el 2011, la familia de Siegel tendrá el derecho de demandar por recuperación de daños.

Personaje
Dada la naturaleza serial de la publicación de cómics y su longeva existencia, Superman ha evolucionado como personaje a medida que se han ido sumando nuevas aventuras.65 Los detalles de su origen, relaciones y habilidades han cambiado significativamente durante el curso de la publicación del personaje, desde lo que se considera la Edad de Oro de los cómics hasta la Edad Moderna.Sus poderes y villanos fueron evolucionando durante la década de 1940; obtuvo la habilidad de volar y desde 1941 se introdujeron villanos disfrazados en sus historias. El personaje supo de la existencia de Kriptón en 1949, aunque el concepto del planeta había sido establecido casi al principio, en una tira de 1939.En la década de 1960, apareció un segundo Superman. DC había establecido con anterioridad un multiverso dentro del universo ficticio que sus personajes compartían. Esto permitía que los personajes publicados en 1940 pudiesen existir al mismo tiempo que contrapartes renovadas para los años 1960. Este concepto se le explicó al lector a través de la noción de dos grupos distintos de personajes que vivían en «Tierras paralelas». El segundo Superman fue creado para explicar la membresía de Superman tanto en la Sociedad de la Justicia de América, ambientada en la década de 1940, como en la Liga de la Justicia de América, creada en los años 1960.En la década de 1980 se produjeron nuevamente cambios radicales en el personaje. DC decidió eliminar el concepto del multiverso para simplificar su línea editorial. Esto llevó a una reinterpretación de todos los antecedentes y el pasado de los personajes que DC publicaba, entre ellos Superman. John Byrne reescribió el pasado de Superman, eliminando convenciones establecidas y personajes de la continuidad e incluyendo a Superboy y a Supergirl. Byrne además restableció a los padres adoptivos de Superman, los Kent, como personajes de importancia,69 quienes en la continuidad previa, habían fallecido al inicio de la carrera de Superman (aproximadamente en el momento en que Clark Kent se graduaba de la enseñanza secundaria).En la década de 1990, Superman fue asesinado por el villano Doomsday, aunque el personaje fue resucitado pronto. Superman además se casó con Lois Lane en 1996. Su origen es nuevamente retomado en 2004. En 2006, el superhéroe perdió sus poderes durante un año ficticio,73 pero al término del mismo los recuperó.74 Tras una confrontación con Brainiac que termina con la muerte de su padre, Superman descubre la ciudad perdida de Kandor, la cual contiene a unos 10,000 Kryptonianos. Su estadía en la Tierra causa problemas, y se ven obligados a crearse un nuevo planeta, Nuevo Krypton. Eventualmente, Nuevo Krypton inicia una guerra en contra de la Tierra, en la que ambos bandos sufren incontables bajas, por lo que casi todos los Kryptonianos mueren. Superman inicia un viaje mientras intenta reconectarse con su mundo adoptivo de nuevo.

Personalidad
En las historias originales de Siegel y Shuster, Superman era rudo y agresivo. El personaje se entrometía para detener a estafadores, gánsteres, linchamientos y casos de violencia doméstica, con una forma de actuar más brutal que la que tiene hoy en día y con un código moral menos estricto que al que están acostumbradas las audiencias actuales. Guionistas posteriores suavizaron al personaje y le infundieron un sentido de idealismo y un código moral de conducta. Aunque no tenía la sangre tan fría como Batman en sus primeras historias, el Superman que aparecía en los cómics de la década de 1930 no se preocupaba del daño que su fuerza pudiese causar, lanzando villanos de manera que lo más probable era que murieran, si bien dichas muertes rara vez fueron mostradas en forma explícita. Esto llegó a su fin en el año 1940, cuando el nuevo editor Whitney Ellsworth instituyó un código de conducta obligatorio para sus personajes, prohibiéndole a Superman matar.67 Este cambio se reflejó en las mismas historias donde, ocasionalmente, ya fuera en la narrativa o en el diálogo, Superman recordaba haber jurado nunca tomar una vida humana y que, de llegar a hacerlo, colgaría su capa simbólicamente y se retiraría.El personaje actual adhiere a un estricto código moral, que se atribuye frecuentemente a los valores de la región del medio oeste estadounidense con los que fue educado. Dentro del universo ficticio de DC comics, su compromiso a operar dentro de la ley ha sido un ejemplo para muchos héroes, pero ha creado resentimiento en otros, que se refieren a él como el «gran boy scout azul». Superman ha permanecido bastante inflexible al respecto, causando tensión en la comunidad de superhéroes, en especial con la Mujer Maravilla, después de que ella asesinó a Maxwell Lord.Como parte de su historia siempre incluye la pérdida de su planeta natal Krypton, el personaje de Superman se muestra generalmente muy sobreprotector con la Tierra, y en particular con la familia y amigos de Clark Kent. Esta misma pérdida, combinada con la presión por usar sus poderes en forma responsable, le provoca una sensación de estar solo en el planeta, a pesar de sus amigos, esposa y padres adoptivos. Encuentros con personajes que él creyó que eran también kryptonianos, como Power Girl —que es, de hecho, del Krypton del universo de Tierra-2— y Mon-El, lo han decepcionado. La llegada de Supergirl, que fue confirmada no sólo como de Krypton, sino que además como su prima, logró aliviar un poco su soledad.En Superman/Batman 3 (diciembre de 2003), escrito por Jeph Loeb, Batman comentó: «es una dicotomía remarcable. De varias formas, Clark es el más humano de todos nosotros. Entonces... dispara fuego desde los cielos y es difícil no pensar en él como un dios. Y que afortunados somos de que eso no se le ocurre».79 Más tarde, durante el inicio de Infinite Crisis, Batman lo reprendió por identificarse demasiado con la humanidad y fallar en procurar el fuerte liderazgo que los superhumanos necesitaban.Superman: Birthright estableció que Superman fuera un vegetariano estricto.

Otras versionesTanto el multiverso establecido por la editorial en los años 1960 como la línea de cómics Elseworlds creada en 1989 le permitieron a los escritores crear variantes de Superman, con diferencias de nacionalidad, raza o moralidad. Junto con estas visiones alternativas, varios personajes han asumido el título de Superman, especialmente durante la historia «La Muerte de Superman», donde cuatro nuevos personajes intentaron clamar el título para sí mismos.71 Por otra parte, el personaje Bizarro creado en 1958 es un extraño e imperfecto duplicado de Superman.20 Otros miembros de la familia de personajes de Superman también han poseído el prefijo Super-, incluyendo a Supergirl, el Superperro y Superwoman. Fuera de las publicaciones de DC, la notoriedad adquirida por el arquetipo de Superman o Übermensch lo hace una figura popular para ser representada por analogías en continuidades completamente sin relación. Por ejemplo, Roy Thomas se basó en Superman para crear al personaje de Hiperión de Marvel Comics.


Comercialización.
Superman se volvió rápidamente muy popular, con un título adicional, Superman Quarterly, creado a la brevedad. En 1940 el personaje fue representado por primera vez en el desfile del día de Acción de Gracias de Macy's. De hecho, Superman se había vuelto tan popular para 1942, con las ventas de sus tres revistas combinadas superando los 1,5 millones de ejemplares, que la revista Time reportó que «el Departamento de la Marina [había] ordenado que los cómics de Superman debían ser incluidos entre las provisiones básicas esenciales destinadas al cuartel de Marines en las islas Midway». El personaje fue licenciado por compañías interesadas en obtener ganancias de su popularidad a través de productos comerciales. El producto más antiguo data de 1939 y es un botón proclamando membresía en el club de los Supermen of America. Para 1940, la cantidad de mercancía disponible se había incrementado dramáticamente, con rompecabezas, muñecos de papel, goma de mascar y tarjetas coleccionables, así como figuras de madera y metal. La popularidad de la mercancía aumentó cuando Superman fue licenciado para aparecer en otros medios; Les Daniels escribió que esto representó «el principio del proceso que magnates de los medios describirían décadas después como "sinergia"». Para la exhibición de Superman Returns, Warner Bros. tenía asegurada una promoción conjunta con Burger King y varios productos relacionados a la venta.El atractivo de los productos con la licencia de Superman se basa en la popularidad constante del personaje, un atractivo mercado y el estatus del escudo de «S», el estilizado emblema rojo y amarillo con una “S” que Superman lleva en su pecho, como un símbolo de moda.El escudo de «S» por si solo ha sido usado frecuentemente en medios de comunicación para simbolizar el personaje de Superman. Ha sido incorporado en la apertura y/o cierre de créditos de varias películas y series de televisión.

Análisis literario
Superman ha sido interpretado y discutido de muchas maneras a lo largo de los años desde su debut. Su estatus como el primer superhéroe disfrazado ha permitido que sea usado en muchos estudios del género. Umberto Eco notó que «puede verse como un representante de todos sus similares».142 En un artículo para Time Magazine en 1971, Gerald Clarke señaló: «La enorme popularidad de Superman puede verse como una señal del principio del fin del mito de Horatio Alger acerca del hombre que se hace a sí mismo». Clarke observaba que los personajes de cómics debían mantenerse evolucionando continuamente para mantener su relevancia y así representar el ánimo actual de la nación. Según él, el personaje de Superman en los principios de la década de 1970 era un comentario acerca del mundo moderno, un lugar en el cual «sólo un hombre con superpoderes puede sobrevivir y prosperar.»A.C. Grayling, en un artículo para The Spectator, realizó un estudio acerca de la posturas de Superman a través de las décadas, desde su campaña en los años 1930 en contra del crimen, en una nación bajo la influencia de Al Capone; a través de los años 1940 y la Segunda Guerra Mundial, período donde Superman ayudaba a vender bonos de guerra;144 en la década de 1950, cuando exploraba las nuevas amenazas tecnológicas. Grayling observó que en el período posterior a la Guerra Fría los «asuntos se volvieron meramente personales: La tarea de enfrentar su fuerza física contra los cerebros de Lex Luthor y Brainiac aparecía en forma independiente de las preguntas más grandes» y discutió eventos posteriores al 9/11, aseverando que como era una nación «atrapada entre el terrorífico George W. Bush y el terrorista Osama bin Laden, Estados Unidos estaba en la hora en que más necesitaba un salvador, tanto para los pequeños inconvenientes hasta los grandes horrores de una catástrofe mundial. Y aquí estaba, el chico hogareño bien cuidado vestido con malla azul y capa roja».Scott Bukatman planteó que Superman y el superhéroe en general, gracias a su uso del espacio —en particular la habilidad de volar por sobre los rascacielos—, humanizan grandes áreas urbanas. Escribió que «representaba, en 1938, un ideal corbusieriano. Superman posee visión de rayos-x: las murallas se vuelven permeables, transparentes. A través de su benigna, controlada autoridad, Superman logra que la ciudad sea abierta, modernista y democrática; avanza el sentido que Le Corbusier describió en 1925, esto es, que "todo es conocido para nosotros".»Jules Feiffer sostuvo que lo que «hace a Superman extraordinario es su punto de origen: Clark Kent.» Feiffer desarrolló el tema para establecer que la popularidad de Superman es simplemente el cumplir un deseo, punto que los mismos Siegel y Shuster apoyaban. Al respecto, Siegel comentó que «si estás interesado en lo que hizo a Superman lo que es, he aquí una de las claves que lo hizo universalmente aceptable. Joe y yo teníamos algunas inhibiciones... que nos llevaron a "cumplir nuestros deseos" expresándolos a través de nuestro interés en la ciencia ficción y nuestra tira de cómics. De ahí proviene el concepto de la identidad dual». Shuster apoyó esa misma idea afirmando que ese es «el porqué mucha gente puede relacionarse con el concepto».Otro aspecto clave de su atractivo es su estatus de inmigrante. Aldo Regalado observó que el superhéroe traspasó barreras de aceptación en Estados Unidos. Regalado interpretó que su origen extraterrestre confrontaba la noción de que la ascendencia anglosajona era la fuente de todo poder. Gary Engle vio que el «mito de Superman [reafirma] con total confianza e inocencia el valor del inmigrante en la cultura estadounidense.» Argumentó que Superman le permitió al género del superhéroe sobrepasar al western como expresión de las sensibilidades de los inmigrantes. Gracias a su doble identidad, Superman permitía que los inmigrantes se identificaran con sus ambas culturas. Clark Kent representa el individuo asimilado, mientras que Superman representa la herencia cultural de los inmigrantes usada para el bien común. Timothy Aaron Pevey también mencionó que otros aspectos de la historia refuerzan la aceptación del «sueño americano». Notó que «la única cosa capaz de dañar a Superman es la kryptonita, un pedazo de su antiguo mundo nativo.» David Jenemann, en cambio, argumentó que las primeras historias muestran una amenaza: «la posibilidad de que los exiliados sobrepasarían a la nación.»

Recepción de la crítica y popularidad
El personaje de Superman y múltiples series de sus cómics han sido premiados a lo largo de los años. The Reign of the Supermen es una de varias historias u obras que han recibido el premio de los fans de Comics Buyer’s Guide, ganando en la categoría de Historia Favorita de Comic Book en 1993. Superman quedó en segundo lugar en VH1’s Top Pop Culture Icons 2004, encuesta acerca de los íconos de la cultura popular estadounidense. En el mismo año, cinéfilos británicos votaron a Superman como el mayor superhéroe de todos los tiempos.155 Algunas de sus obras han ganado hasta seis premios Eisner y tres premios Harvey, ya sean otorgados a las obras en sí o a sus creadores. Las películas de Superman han recibido, hasta el 2007, varias nominaciones y premios, entre las cuales cabe destacar el premio BAFTA que recibió Christopher Reeve por su actuación en Superman. La serie de televisión Smallville ha recibido varios Emmys por reparto, entre otros premios.

Aspasia de Mileto

Platón en su obra La República incluyó a las mujeres en el gobierno de la polis. ¿Había entonces mujeres pensantes que se pudieran igualar a los varones? Si, la historia atestigua que existieron mujeres que debatían de igual a igual con los hombres sobre temas como la política, la filosofía y el arte, entre otros. Se llamaban "hetairas".

Y las representantes más destacadas emergen en el siglo V A.C: el llamado siglo de Oro o siglo de Pericles, era en el que el pensamiento humano en Occidente alcanzó su punto más alto.

Es por eso que voy a transcribir una entrevista con la historia que hiciera el escritor español Federico Carlos Sainz de Robles en su obra "Encuentro con cincuenta mujeres inolvidables". Aspasia de Mileto, conocida comúnmente como la amante de Pericles fue mucho más que eso. En lo que sí coinciden los historiógrafos fue con el hecho que contó con los favores de dos diosas: Afrodita, la de la de la belleza y Atenea, la divinidad que encarnaba la inteligencia y la sabiduría, entre otros dones.

Aspasia no es la "tonta bonita" ni la "sabia fea". Es ambas cosas. Esta entrevista histórica, magistralmente lograda por Sainz de Robles nos traslada a la Atenas del siglo de Pericles donde se registran hechos de una sociedad mundana culta y evolutiva que no deja de deslumbrarnos, tanto por sus costumbres como por la descripción arquitectónica y estética de la antigua capital griega.

 

 Vivió en el siglo V, y que estuvo unida a Pericles desde aproximadamente el año 445 hasta la muerte de este en 429. Fue maestra de retórica y tuvo una gran influencia en la vida cultural y política de Atenas. Fue una mujer muy hermosa e inteligente, tuvo un gran poder y despertó la admiración y el respeto de filósofos, artistas e ilustres demócratas, así como la hostilidad de los sectores más reaccionarios de la sociedad ateniense.

La vida de Aspasia de Mileto viene envuelta en un halo de misterio. Se desconocen tanto la fecha de su nacimiento como la de su muerte, y solo se tienen noticias fiables de su vida en el periodo comprendido entre su unión con Pericles y la muerte de Lisicles, su segundo marido, en 427. De esto se deduce que su vida pública mantuvo interés solo mientras duró su convivencia con estos dos hombres poderosos. Poco sabemos de su vida anterior a su unión con Pericles, y menos aun de lo que fue de ella tras la muerte de su segundo marido.

Además, muchos de los testimonios que nos han llegado sobre Aspasia son obra de calumniadores y autores hostiles, que la atacaron, ridiculizaron y vilipendiaron por su inteligencia y sus ideas avanzadas, y por su supuesta influencia negativa en la política ateniense. Entre estos calumniadores destacan Aristófanes, que en su obra Acarnienses la presentó como la principal inspiradora de la política de Pericles, y el poeta Hermipo, que incluso ejerció la acusación en el proceso abierto contra ella por "ofensas a los dioses".

Aspasia nació en Mileto alrededor del año 470. Probablemente su padre se llamaba Axico, aunque otras fuentes dicen que se llamaba Rhodos, y era escultor. Desde muy joven leía entusiasmada las obras de poetas y filósofos, especialmente las de Pitágoras, de quien aprendió que en el cosmos todo es número y armonía.

Ya en su adolescencia era un portento de belleza e inteligencia, que deleitaba a hombres jóvenes, maduros y ancianos, intelectuales y atletas, duros militares y blandos efebos, gracias a sus encantos corporales y la gracia de su ingenio.

Cuando un antiguo arconte ateniense llamado Sofrón llegó a Mileto, quedó entusiamado con la joven Aspasia, y fue él quen le habló de las maravillas de Atenas, que era la ciudad más avanzada de su tiempo y donde además había una clase de mujeres, llamadas hetairas, que tenían una gran influencia y poder, vivían libremente y podían compartir las mismas inquietudes culturales y políticas que los hombres.

 

Aspasia marchó rumbo a Atenas en torno al año 450. No sabemos mucho de esta época antes de conocer a Pericles. Hay diversas controversias en lo referente a la formación de Aspasia como experta en retórica. Unos piensan que adquirió estos conocimientos en Mileto, dado que en las ciudades jonias los niños y las niñas convivían en la escuela pública y compartían el aprendizaje en plano de igualdad. Otros, por el contrario, opinan que su formación pudo tener lugar ya en Atenas, que era en aquellos momentos un foco de atracción de sofistas y retóricos, y ella bien pudo adquirir estos conocimientos de maestros como Antifonte de Ramnos.

Hacía el año 445 Aspasia conoció a Pericles, líder del partido democrático y que desde el año 461 era la máxima autoridad política de Atenas. Pericles y Aspasia se enamoraron perdidamente y fueron amantes durante varios años, hasta que finalmente Pericles se divorció de su mujer, con la que tenía dos hijos, y pasó a vivir publicamente su amor con Aspasia. Incluso contrajeron matrimonio, lo cual era insólito pues la tradición impedía a los ciudadanos atenienses casarse con mujeres extranjeras.

Pese a ello, Pericles la prefirió a todas las demás mujeres, por ser, en opinión de Plutarco, una "mujer sabia y astuta". Aspasia encajó perfectamente en el círculo de amistades de Pericles (algunos sofistas, entre ellos Anaxágoras). Tan es así, que el mismo Sócrates frecuentó su casa, y varios de los que la trataron llevaban a sus propias mujeres para que la oyesen. Por lo tanto, Aspasia ocupó el papel de lo que hoy llamaríamos "primera dama".

Aspasia llegó a ser muy famosa. Hacía el año 440 nació el unico hijo de su unión con Pericles, llamado Pericles el Joven, que llegaría a ser general ateniense y murió ejecutado tras la Batalla de Arginusas en el año 406 junto a otros colegas de mando.

Donde quiera que adquiriese Aspasia su formación, es innegable su condición de experta en retórica, tanto en el aspecto logográfico como en lo concerniente a su faceta pedagógica. Por su extrema pericia en este arte y por su capacidad para rodearse de los más ilustres y reconocidos intelectuales de su época, y por contribuir de forma activa al florecimiento de la vida cultural en Atenas, consiguió la admiración de los hombres más ilustres. Se dice que Aspasia le escribía a Pericles algunos de sus discursos.

Pero también por su condición de extranjera, por su supuesta influencia negativa sobre Pericles, y por llevar una vida de mujer libre e independiente (algo impropio de una esposa ateniense), fue atacada y ridiculizada por los conservadores, celosos de su poder e influencia.

En este sentido el episodio más relevante fue el proceso público seguido contra ella tras una denuncia ante el Aerópago por el delito de haber ofendido a los dioses. Este era un delito muy grave en la Grecia antigua, que podía ser castigado incluso con la muerte, como le ocurrió a Sócrates más adelante. Aspasia tuvo que comparecer ante un tribunal formado por 1.500 ciudadanos para responder de estas acusaciones. El propio Pericles intervino en su defensa y habló durante tres horas ante el tribunal. Tuvo que recurrir a todo su prestigio y elocuencia, e incluso a sus lágrimas, para lograr la absolución de su esposa. Según Plutarco (citando a Esquines) "vertió por ella muchas lágrimas, haciendo súplicas a los jueces".

El el plano político Aspasia fue acusada de tener una inlfuencia negativa en las decisiones de Pericles sobre el gobierno de la ciudad, primero en el apoyo de Atenas a Mileto durante su conflicto con Samos hacia el año 439, que pese a la victoria ateniense provocó un gran descontento en diversos sectores del ejército. Y más adelante con el inicio de la Guerra del Peloponeso en el año 431, que a la postre marcaría el inicio de la decadencia ateniense.

 

Pericles falleció durante una epidemia de peste en el año 429, y su pérdida fue un desastre para Atenas, ya que sus sucesores fueron gobernantes desastrosos. Tras la muerte de Pericles, Aspasia se casó con otro ateniense, un rico comerciante llamado Lisicles, con el que tuvo un hijo llamado Poristes. Lisicles era un hombre mucho más tosco y grosero que Pericles, aunque llegó a ser arconte durante su matrimonio con Aspasia. Algunos dicen que gracias a ella se convirtió en un orador elocuente. Sin embargo Lisicles murió poco después durante la Guerra de Caria, en el año 427.

Juana Azurduy, flor del Alto Perú

La lucha de las mujeres fue fundamental en la guerra gaucha. No solamente eran excelentes espías sino que algunas de ellas, como doña Juana Azurduy de Padilla, comandaban tropas en las vanguardias de las fuerzas patriotas. Esta maravillosa mujer había nacido en Chuquisaca el 8 de marzo de 1781, mientras estallaba y se expandía la rebelión de Túpac Amaru. El amor la llevó a unir su vida a la del comandante Manuel Asencio Padilla.

La pareja de guerrilleros defendió a sangre y fuego del avance español la zona comprendida entre el norte de Chuquisaca y las selvas de Santa Cruz de la Sierra. El sistema de combate y gobierno conocido como el de las “republiquetas” consistía en la formación, en las zonas liberadas, de centros autónomos a cargo de un jefe político–militar. Hubo ciento dos caudillos que comandaron igual número de republiquetas. La crueldad de la lucha fue tal que sólo sobrevivieron nueve. Quedaron en el camino jefes notables, de un coraje proverbial. Entre ellos hay que nombrar a Ignacio Warnes, Vicente Camargo, al cura Idelfonso Muñecas y al propio Padilla.

Los Padilla lo perdieron todo, su casa, su tierra y sus hijos en medio de la lucha. No tenían nada más que su dignidad, su coraje y la firme voluntad revolucionaria. Por eso, cuando estaban en la más absoluta miseria y un jefe español intentó sobornar a su marido, Juana le contestó enfurecida: “La propuesta de dinero y otros intereses sólo debería hacerse a los infames que pelean por su esclavitud, más no a los que defendían su dulce libertad, como él lo haría a sangre y fuego”.

Juana fue una estrecha colaboradora de Güemes y por su coraje fue investida del grado de teniente coronel con el uso de uniforme, según un decreto firmado por el director supremo Pueyrredón el 13 de agosto de 1816 y que hizo efectivo el general Belgrano al entregarle el sable correspondiente.

Tres meses después, en la batalla de Viloma fue herida por los realistas. Su marido acudió en su rescate y logró liberarla, pero a costa de ser herido de muerte. Era el 14 de noviembre de 1816. Juana se quedaba sin su compañero y el Alto Perú sin uno de sus jefes más valientes y brillantes.

Whitney Houston

(Newark, 1963 - Beverly Hills, 2012) Cantante de pop y actriz estadounidense. La extraordinaria voz de esta bella cantante cautivó siempre a todo el mundo cada vez que aparecía en público. Tras unos inicios no muy prometedores, sus productores, que confiaban en su gran talento, decidieron esperar un momento propicio para lanzarla, preparando concienzudamente un disco que acabaría siendo número uno en EE.UU., llamado Whitney Houston. A partir de ese momento el éxito la acompañó en todo lo que emprendió, incluido su debut cinematográfico en la película El guardaespaldas, cuya banda sonora, interpretada por la propia Whitney Houston, fue un récord de ventas en 1992.

Hija de la cantante de Soul Cissy Houston (integrante en su día de The Sweet Inspiration, grupo habitual de las actuaciones o grabaciones de Elvis Presley o Aretha Franklin) y sobrina de la estrella Dionne Warwick, Whitney Houston comenzó a cantar en un grupo de gospel a los once años. Tras iniciar una prometedora carrera como modelo, su vocación de cantante fue poco a poco imponiéndose, pues colaboró en los coros y segundas voces de las grabaciones de importantes artistas de la talla de Lou Rawls y Chaka Khan cuando apenas contaba quince años y, poco después en las de los Neville Brothers.

Después de intervenir en álbumes de Jermaine Jackson y Teddy Pendergrass, en 1983 firmó un contrato con el sello Arista. Su primer álbum salió al mercado en 1985, con un impresionante éxito (a finales de 1986 había superado ya los diez millones de copias vendidas, cifra jamás alcanzada por el álbum de debut de ninguna estrella).

De ahí en adelante la carrera de Whitney Houston la llevó a convertirse rápidamente en la intérprete de color más importante del mundo. En 1987 volvió al primer puesto de las listas norteamericanas con el tema I Wanna Dance With Somebody, perteneciente a su segundo larga duración. Antes de comenzar la década de los noventa, la joven Whitney ya había superado un nuevo récord: vender más de 25 millones de copias de sus dos primeros álbumes.


Casada desde julio de 1992 con el también cantante Bobby Brown (1969), en noviembre de ese mismo año se editó la banda sonora del filme El guardaespaldas, película en la que Whitney compartía el papel de protagonista con el conocido actor Kevin Costner. Tanto la película como el álbum (su banda sonora, con su celebérrima interpretación del tema I Will Always Love You, sigue siendo la más vendida de todos los tiempos) se convirtieron en los hitos más importantes de la carrera profesional de la vocalista de Nueva Jersey, la primera mujer que consiguió acceder directamente al número uno de la lista de álbumes de su país. Para entonces ya contaba en su haber con siete primeros puestos en el Top 10 norteamericano.

Las giras internacionales se sucedieron una tras otra. En julio de 1994, junto al instrumentista Kenny G, fue invitada a participar en la ceremonia de clausura del Mundial de Fútbol, retransmitida a los cinco continentes. A finales de 1995 se edita el álbum Waiting To Exhale (Esperando un respiro), banda sonora del filme homónimo, que reunió temas compuestos por Babyface para ser interpretados por Whitney Houston, Toni Braxton, Aretha Franklin, TLC, Chaka Khan, Patti LaBelle, Mary J. Blindge, Brandy, Faith Evans, Chante Moore, SWV, CeCe Winans, Shanna, For Real y Sonja Marie. La película, en la que Whitney intervino como protagonista, se estrenó en los primeros meses de 1996.

No sería su última relación con el mundo cinematográfico. De hecho, en diciembre de ese mismo año se estrenó en Estados Unidos La mujer del predicador, cuya banda sonora original se publicó pocos días antes. El single Step By Step (compuesto por la conocida Annie Lennox y presentado en radios el 9 de diciembre) sirvió de aperitivo a quince temas, la mayoría en clave gospel, en los que la presencia del Georgia Mass Choir y de Cissy Houston (su madre), acompañada por el Hezekiah Walker Choir, sirvieron para que Houston regresara a la pureza del estilo. No faltan en el disco colaboraciones de Boby Brown y Babyface (productor en el tema My heart is calling) y en la balada You were loved, compuesta por Diane Warren. El filme fue dirigido por Penny Marshall y era una nueva versión de La mujer del predicador de 1947.

Una nueva gira internacional, que comenzó en Japón en enero de 1997, demostró que su estatus de estrella seguía intacto, como pudo apreciarse en la cantidad de premios que jalonaban ya su carrera: cinco premios Grammy (tres de ellos en 1994), diecinueve American Music Awards, siete Image Awards, dos Emi, cinco Soul Train Fame y cinco People´s Choice. Tras producir y rodar (en el papel de Hada Madrina) el musical para televisión Cinderella (La Cenicienta, 1997), inició una serie de giras internacionales y grabó en 1998 su siguiente álbum de estudio, My Love Is Your Love, del que se extrajeron varios sencillos; por uno de ellos, It's Not Right But It's Okay, mereció un nuevo Grammy. Su recopilatorio Whitney: The Greatest Hits (2000) incluyó algunos nuevos temas.

Coincidiendo con el lanzamiento de su siguiente álbum, Just Whitney (2002), y de Wish: The Holiday Album (2003), formado por nuevas versiones de canciones clásicas navideñas, crecieron los rumores acerca del desorden de su vida privada. En al menos dos ocasiones (2004 y 2005) se vio obligada a entrar en una clínica para rehabilitarse de su adicción al alcohol y a la cocaína, y a menudo corrieron rumores de separación del matrimonio Brown-Houston; se decía que la cantante era víctima de los malos tratos de su marido. Pero aunque estos escándalos contribuyeron a enturbiar su imagen pública, Houston siguió siendo una de las cantantes más admiradas de Estados Unidos.

En 2006, tras separarse de su marido, Whitney reapareció feliz y radiante en público; parecía plenamente recuperada y pronto emprendió nuevos proyectos. En 2007 lanzó un nuevo recopilatorio titulado Whitney Houston: The Ultimate Collection. Se prodigó en actuaciones en directo y editó el que iba a ser su último álbum, I Look to You (2009), que promocionó con la gira mundial "Nothing but love Tour", iniciada ese mismo año en Moscú y concluida en Finlandia en junio de 2010. Extrañamente, cuando todo parecía indicar que Whitney Houston había retomado las riendas de su vida y de su carrera, saltó a los teletipos la noticia de su fallecimiento: la cantante fue hallada sin vida en la bañera de su habitación, víctima al parecer de una ingestión de calmantes.

María Elena Walsh

 Infancia

Nació en el partido de Ramos Mejía, Buenos Aires el 1 de febrero de 1930 Su padre, Enrique Walsh, era un inglés ferroviario, que trabajaba como empleado del departamento contable de la New Western Railway of Buenos Aires (Ferrocarril Oeste de Buenos Aires) y tocaba muy bien el piano. De la cultura popular inglesa, María Elena tomaría las nursery rhymes, tradicionales canciones para niños, como Baa Baa black sheep o Humpty Dumpty, que su padre le cantaba de niña, así como el hábito de las construcciones verbales que caracterizan al nonsense británico, como una de las principales fuentes de inspiración en su obra.

Su madre, Lucía Elena Monsalvo, era argentina, hija de padre argentino y madre andaluza. Se había casado con su padre, en segundas nupcias de éste, y tuvieron juntos dos hijas, Susana y María Elena. Del primer matrimonio, su padre tuvo además cuatro hijos.

Fue criada en un gran caserón de Ramos Mejía, en el Gran Buenos Aires, con patios, gallinero, rosales, gatos, limoneros, naranjos y una higuera. En ese ambiente emanaba mayor libertad respecto de la tradicional educación de clase media de la época. La canción Fideos finos ("Voy a contarles qué había/entonces en Ramos Mejía")7 y su primera novela, Novios de antaño (1990), de raíz autobiográfica, están dedicadas a relatar y reconstruir los recuerdos de su infancia. Ella era Maria...
 
Una poetisa precoz
A los 12 años ingresó a la Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano, de Buenos Aires (Barracas), donde se radicó. Allí se haría amiga de Sara Facio, quien luego se convertirá en una destacada fotógrafa y compañera de María Elena en el último tramo de su vida, Carmen Córdova (hija del crítico Córdoba Iturburu) quien sería arquitecta, y Juan Carlos Distéfano, quien se volverá un escultor de fama mundial.
Tímida y rebelde, leía mucho de adolescente. En 1945, a los 15 años, publicó su primer poema en la revista El Hogar (número dedicado a la primavera), titulado Elegía e ilustrado por su compañera de colegio Elba Fábregas. Ese mismo año escribió también en el diario La Nación.

En 1947, cuando contaba con 17 años, sufre la muerte de su padre y publica su primer libro, un poemario titulado Otoño imperdonable que recibió el segundo premio Municipal de Poesía, aunque el jurado se excusó diciéndole que no le habían otorgado el primero porque era demasiado joven.4 A pesar de su juventud, se trata de un libro notable, que llamó de inmediato la atención sobre ella del mundo literario hispanoamericano. Reúne poemas escritos entre los 14 y los 17 años, que sorprenden por la madurez expresiva y por un estilo natural,10 plenos de hallazgos y juegos líricos, como en «Término», donde se define a sí misma como «un sitio donde florecerá la muerte».
El libro fue elogiado por la crítica y por algunos de los más importantes escritores hispanoamericanos, como Juan Ramón Jiménez, Jorge Luis Borges, Silvina Ocampo, Eduardo González Lanuza y Pablo Neruda.
Luego de finalizar sus estudios secundarios en 1948, recibiéndose como profesora de Dibujo y Pintura, aceptó la invitación de Juan Ramón Jiménez (autor de Platero y yo) de visitarlo en su casa de Maryland (Estados Unidos), donde permanecería seis meses en 1949. Se trató de una experiencia compleja, porque Jiménez la trató impiadosamente, sin ninguna consideración por sus necesidades e inclinaciones personales. La propia María Elena describiría unos años después esa experiencia en estos términos:

    Cada día tenía que inventarme coraje para enfrentarlo, repasar mi insignificancia, cubrirme de una desdicha que hoy me rebela. Me sentía averiguada y condenada. Suelo evocar con rencor a la gente que, mayor en mundo, tuvo mi verde destino entre sus manos y no hizo más que paralizarlo. Con generosa intención, con protectora conciencia, Juan Ramón me destruía, y no tenía derecho a equivocarse porque él era Juan Ramón, y yo, nadie. ¿En nombre de qué hay que perdonarlo? En nombre de lo que él es y significa, más allá del fracaso de una relación.
    María Elena Walsh.
De vuelta en Buenos Aires y ya sobre el filo de la mitad del siglo, María Elena frecuentaba los círculos literarios e intelectuales y escribía ensayos en diversas publicaciones.

En 1951 publicó su segundo poemario, Baladas con Ángel. El libro fue editado en un mismo volumen con Argumento del enamorado, del igualmente joven escritor Ángel Bonomini, quien por entonces era novio de María Elena. El volumen constituye un todo en el que dos enamorados intercambian sus emociones expresadas en versos.

En esta oportunidad Walsh recurre a la balada para construir su obra poética, una forma lírica construida a partir de la musicalidad de su estructura, probablemente reflejando la influencia de Jiménez.16 Las mismas muestran a la poetisa en un momento de optimismo y alegría inducido por el amor, pero a la vez dejan traslucir una insatisfacción de fondo que pronto estallaría. Estas emociones pueden encontrarse en Balada del tiempo perdido, donde la escritora exterioriza la angustia que la venía acosando, calmada ahora por la llegada del amor:

    Como a sus vanas hojas
    el tiempo me perdía.
    Clavada a la madera de otro sueño
    volaban sobre mí noches y días.

    Poblándome de una
    nostalgia distraída
    la tierra, el mar, me entraban en los ojos
    y por ociosas lágrimas salían.
    María Elena Walsh ("Balada del tiempo perdido", frag., en Baladas con Ángel.)

María Elena Walsh parecía comenzar a definir su vida como una de las más prometedoras figuras del mundo intelectual porteño. Sin embargo, aunque nadie lo percibiera, se sentía asfixiada: por las represiones familiares y sociales relacionadas con una sexualidad que siempre mantuvo reservada a la intimidad, por los celos y pequeñas traiciones del mundillo cultural, y por un clima político polarizado entre peronismo y antiperonismo, tendencia esta última con la que se identificaba la joven.4 Algunos años después, al ver lo que hicieron los gobiernos antiperonistas, comenzaría sentir simpatías por el peronismo y su significado de progreso para los sectores populares. Pero en ese momento, su vida estaba a punto de pegar un notable viraje.
 
Leda y María
María Elena Walsh inició su asociación artística y afectiva con Leda Valladares en 1951, por carta. En ese entonces tenía 21 años, once menos que Valladares, una artista tucumana relacionada con el folclore cotidiano del Noroeste -hermana del mítico folclorista Chivo Valladares- y una de las primeras mujeres en egresar de la Universidad Nacional de Tucumán.17 Leda se encontraba radicada en Costa Rica, e invitó a María Elena a reunirse con ella en Panamá para partir juntas hacia Europa, invitación que ésta aceptó abandonando su familia y su entorno intelectual, para emprender un camino de experimentación.8

En 1952 se instalaron en París y comenzaron a cantar canciones folclóricas de tradición oral de la región andina de Argentina, como carnavalitos, bagualas y vidalas. Luego de cantar en cafés y boites, el dúo logró un contrato en el famoso cabaret Crazy Horse. En la capital de Francia se relacionaron con otros artistas como la chilena Violeta Parra o la estadounidense Blossom Dearie y grabaron sus primeros álbumes Chants d’Argentine/ Cantos de Argentina (1954) y Sous le ciel de l’Argentine/ Bajo los cielos de la Argentina (1955), con canciones de tradición oral del folclore andino argentino, como Dos palomitas y Huachi tori, pero también con temas de Atahualpa Yupanqui -por entonces radicado en París-, como La arribeña, de Jaime Dávalos como El humahuaqueño, de Rafael Rossi como "Viva Jujuy" y de Rolando Valladares, hermano de Leda.
De regreso en la Argentina en 1956, Leda y María realizaron una extensa gira por el Noroeste argentino en donde reunieron varias canciones que grabarían luego en sus dos primeros álbumes realizados en su país, Entre valles y quebradas vol 1 y Entre valles y quebradas vol 2, ambos de 1957. Muchas de esas canciones se instalarían en el cancionero folclórico. Ambos discos fueron muy bien recibidos en los círculos de artistas e intelectuales, como el Cuchi Leguizamón, Manuel J. Castilla, Victoria Ocampo, Atahualpa Yupanqui, María Herminia Avellaneda. Ésta última llevó al dúo a presentarse en Canal 7 de televisión.
Por entonces comenzaron a aparecer las diferencias entre ambas que llevaría a su separación: mientras Leda Valladares reivindicaba el valor del indigenismo y del folklore puro, en el sentido de la creación anónima, María Elena Walsh se inclinaba a la creación de nuevas expresiones, alimentándose de las raíces folklóricas, pero sin estar estrictamente restringidas a ellas, orientándose por los valores de la justicia social, el feminismo y el pacifismo.
En 1958 lanzaron su quinto álbum Canciones del tiempo de Maricastaña, donde las canciones del folklore español están presentadas con un título lúdico e informal que anticipa las nuevas tendencias que se incubaban en el dúo. El disco incluye canciones como El Tururururú («que la culpa la tienes tú»), En qué nos parecemos, o el Romance del enamorado y la Muerte.

En simultáneo, María Elena publicó su tercer libro de poemas, Casi milagro.

Al año siguientes Leda y María publicaron el LP Leda y María cantan villancicos, incluyendo cuatro villancicos anónimos, uno del norte argentino, otro de Bolivia y dos españoles. La tapa del disco es una foto de un niño pequeño sonriendo mientras mira el dibujo de un Papá Noel, apareciendo por primera vez una temática infantil.

Tutú Marambá, Canciones para mirar y el mundo infantil

Cuando aún se encontraba en París, María Elena Walsh comenzó a crear poemas, canciones y personajes infantiles, que solo mostraría a Leda Valladares. En 1956 el dúo había ganado un concurso para cantar en el espectáculo de Edith Piaf en el Teatro Olympia de París, pero la famosa cantante finalmente las excluyó, aparentemente por razones de tipo emocional, y ambas decidieron entonces volver a Buenos Aires.

En 1958 María Herminia Avellaneda le ofreció a Walsh escribir guiones de televisión para programas infantiles. Entre ellos se destacó Buenos días Pinky, protagonizado por Pinky (Lidia Satragno) y Osvaldo Pacheco, quien interpretaba a un abuelo. El programa duró solo tres meses, pero alcanzó un éxito notable, que le valió dos premios Martín Fierro (mejor programa infantil y revelación masculina para Osvaldo Pacheco) y el premio Argentores para la propia María Elena como guionista, otorgado en 1965.

Esa experiencia la hizo madurar la posibilidad de crear un género similar a un «cabaret para chicos» o un «varieté infantil», que revolucionaría el mundo del espectáculo, el folklore y la música infantil.
En 1960 Leda y María mostraron un notable viraje en su estilo al grabar el EP Canciones de Tutú Marambá, en la que cantan canciones infantiles que Walsh había escrito para los guiones que estaba realizando para la televisión. Allí se incluyen las primeras cuatro canciones que harían famosa a María Elena Walsh en la música infantil: La vaca estudiosa, Canción del pescador, El Reino del Revés y Canción de Titina.

De ese modo nació la idea de hacer un espectáculo musical-dramático para niños que se llamó Canciones para mirar, que -con un presupuesto muy reducido-, el dúo puso en escena en la Sala Casacuberta del Teatro Municipal General San Martín de Buenos Aires, en 1962. Inesperadamente, el espectáculo tuvo un enorme éxito, impulsando la preparación de un nuevo show para 1963 y se convirtió de uno de los acontecimientos culturales más importantes de la historia argentina.

La obra estaba compuesta a partir de doce canciones de Walsh, que cantaban Leda y María vestidas como juglares, mientras los actores Alberto Fernández de Rosa y Laura Saniez las representaban mímicamente: "La familia Polillal", "El Reino del Revés", "Milonga del hornero", "La vaca estudiosa", "La Pájara Pinta", "Canción del estornudo", "La mona Jacinta", "Canción del jardinero", "Canción de la vacuna", "Canción de Titina", "Canción para vestirse" y "Canción del pescador". En los intervalos entre canciones, dos personajes, Agapito y la Señora de Morón Danga, decían monólogos cómicos, una estructura dramática que Leda y María habían tomado del Crazy Horse, combinándola con el humor, los ritmos tradicionales, el desenfado y el público infantil.
Doña Disparate y Bambuco fue la última presentación de Leda y María. El nuevo espectáculo contó con un presupuesto mucho mayor, siendo dirigido por María Herminia Avellaneda, y actuando como protagonistas Lydia Lamaison (Disparate) y Osvaldo Pacheco (Bambuco), así como Teresa Blasco y Pepe Soriano, interpretando varios papeles de personajes secundarios y estrambóticos. En esta obra aparecen el Mono Liso, y sobre todo la tortuga Manuelita, el personaje más paradigmático y conocido del universo infantil creado por María Elena Walsh. La obra tenía una similitud con el clima onírico de Alicia en el país de las maravillas.8 Posteriormente se hizo una versión televisiva protagonizada por Perla Santalla y Walter Vidarte. En 1990 se repuso la obra bajo la dirección de José María Paolantonio, y el elenco estaba formado por Georgina Barbarossa, Adrián Juliá, Gustavo Monje, Debora Kepel, Ivanna Padula y Jorge Luis Freire. Realizando tres temporadas. Desde 1990 hasta 1992.

El crítico Leopoldo Brizuela ha dicho que:

    Según las entrevistas de entonces, Walsh concibió a Doña Disparate como la encarnación paródica del sentido común, mientras que Bambuco es la "personificación de la infancia". Pero, más profundamente, ambas representan las dos personalidades de Walsh: la rigurosa, romántica y un poco demasiado retórica de Otoño imperdonable , y la niña, popular, y un poco demasiado fresca de Tutú Marambá . Las dos salen a batirse a duelo, nunca se vencen la una a la otra y siempre renacen en la cada vez más luminosa hoguera del humor, en la valiente ordalía de crear. (Leopoldo Brizuela)
Para entonces Leda y María ya tenían decidido que querían seguir caminos distintos. Antes de separarse en 1963, grabaron un último EP, Navidad para los chicos, que reúne cuatro canciones navideñas de Walsh, en las que ambas cantan con Roberto Aulés.

Canciones para mirar fueron seguidas de la publicación de cinco libros para niños, El reino del revés (1964), Zoo loco (1964), Dailan Kifki (1966), Cuentopos de Gulubú (1966) y Aire libre (1967, que consolidaron el universo infantil que María Elena construyó en esa década y que marcaría fuertemente la formación cultural de las siguientes generaciones de argentinos.

En 1965 publica Hecho a mano, su cuarto poemario para adultos. Juguemos en el mundo y las canciones para adultos

En 1968 estrenó su espectáculo de canciones para adultos Juguemos en el mundo, que se constituyó en un acontecimiento cultural que influiría fuertemente en la nueva canción popular argentina, que venía conformándose desde diversos enfoques, como el Movimiento del Nuevo Cancionero impulsado por músicos como Mercedes Sosa y Armando Tejada Gómez, el folklore vocal que estaban desarrollando grupos como los Huanca Hua y el Cuarteto Zupay, el tango moderno que tenía su epicentro en Astor Piazzolla y la Balada para un loco que al año siguiente compusiera con Horacio Ferrer, o las canciones de Nacha Guevara y Alberto Favero comenzarían a mostrar también al año siguiente en Anastasia querida. Como había hecho con sus canciones infantiles, María Elena Walsh mostró en Juguemos en el mundo un estilo de composición marcado por la libertad creativa y temática. Sus melodías dieron vida a canciones muy modernas, que tomaban inspiración de las más diversas fuentes musicales, desde el folklore al tango y desde el jazz al rock, y que a la vez. Sus letras aportaron inumerables temas a la canción de protesta latinoamericana, que floreció en esos años (Los ejecutivos, ¿Diablo estás?), pero también introdujeron temáticas prácticamente ausentes del cancionero argentino, como la emigración (Zamba de Pepe), el peronismo (El 45) o la pacatería social de las clases medias (Mirón y Miranda). El espectáculo incluyó Serenata para la tierra de uno, una sus creaciones más destacadas, que bordeando la canción de protesta sin serlo, está construida como una canción de amor a su país, como si se tratara de un amante:

    Porque me duele si me quedo,
    pero me muero si me voy
    con todo y a pesar de todo
    mi amor yo quiero vivir en vos.

El espectáculo fue acompañado por el lanzamiento de un álbum también titulado Juguemos en el mundo, que tuvo un extraordinario éxito y que fue seguido al año siguiente por Juguemos en el mundo II.

En 1971 María Herminia Avellaneda la dirigió en el filme Juguemos en el mundo donde reaparecen Doña Disparate y Bambuco por Perla Santalla y Jorge Mayol acompañados por Hugo Caprera, Eduardo Bergara Leumann, Virginia Lago, Jorge Luz, Aída Luz, Eva Franco y Norman Briski.

Ese mismo año, China Zorrilla y Carlos Perciavalle estrenaron en Buenos Aires, su versión de las Canciones para mirar que habían llevado a escena en 1966 en Nueva York y en Montevideo.
El País Jardín-de-Infantes y sus últimas canciones y reflexiones

Asfixiada por la censura impuesta por la dictadura militar, en julio de 1978, en plena Copa Mundial de Fútbol, decidió «no seguir componiendo ni cantar más en público». Paradójicamente, varias de sus canciones se volvieron símbolo de la lucha por la democracia, como Como la cigarra, Canción de cuna para un gobernante, Oración a la Justicia, Canción de caminantes, Balada de Cómodus Viscach, Postal de guerra o su versión de We shall overcome (Venceremos), la clásica marcha del movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos.

Al año siguiente, el 16 de agosto de 1979, María Elena publicó en el suplemento cultural del diario Clarín un artículo titulado «Desventuras en el País Jardín-de-Infantes», título que en 1993 retomaría para titular un libro.19 Se trata de un texto en el que la escritora acepta como legítima la acción de la dictadura para reprimir a «la subversión» y «mantener la paz social», pero en el que también desliza una crítica a la censura imperante, asimilando el país a un jardín de infantes:
    Hace tiempo que somos como niños y no podemos decir lo que pensamos o imaginamos. Cuando el censor desaparezca ¡porque alguna vez sucumbirá demolido por una autopista! estaremos decrépitos y sin saber ya qué decir. Habremos olvidado el cómo, el dónde y el cuándo y nos sentaremos en una plaza como la pareja de viejitos del dibujo de Quino que se preguntaban: "¿Nosotros qué éramos...?"
  
Asimismo, cuando en 1991, durante la presidencia de Carlos Menem en la Argentina, se debatía en ese país la posibilidad de implementar la pena de muerte, María Elena Walsh escribió la siguiente reflexión sobre este tema:

    A lo largo de la historia, hombres doctos o brutales supieron con certeza qué delito merecía la pena capital. Siempre supieron que yo, no otro, era el culpable. Jamás dudaron de que el castigo era ejemplar. Cada vez que se alude a este escarmiento la Humanidad retrocede en cuatro patas.
    María Elena Walsh, diario Clarín (Buenos Aires), 12 de septiembre de 1991

Como articulista, tuvo gran repercusión su artículo La eñe también es gente en defensa del uso en internet de esta letra tan característica de la lengua española.

    "¡No nos dejemos arrebatar la eñe! Ya nos han birlado los signos de apertura de interrogación y admiración. Ya nos redujeron hasta el apócope [...] Sigamos siendo dueños de algo que nos pertenece, esa letra con caperuza, algo muy pequeño, pero menos ñoño de lo que parece [...] La supervivencia de esta letra nos atañe, sin distinción de sexos, credos ni programas de software. Luchemos para no añadir más leña a la hoguera donde se debate nuestro discriminado signo [...] La eñe también es gente."  María Elena Walsh, diario La Nación (Buenos Aires), 1996.

Democracia, reconocimiento y libros
En 1985 fue nombrada Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires y en 1990, Doctor Honoris Causa de la Universidad Nacional de Córdoba y Personalidad Ilustre de la Provincia de Buenos Aires. En 1994 apareció la recopilación completa de sus canciones para niños y adultos y en 1997, Manuelita ¿dónde vas?.

Fallecimiento
Falleció el 10 de enero de 2011 a los 80 años, en el Sanatorio de la Trinidad después de una prolongada internación.
    "Falleció de mi mano. La noche anterior me acerqué a acomodarle la cabeza. Ella me dijo: «Amorcito mío, aquí estamos». Me apretó la mano y lloró. Entonces yo le dije que tenía que descansar, que estábamos todas con ella. Éramos un grupito. Sara y tres chicas más. Ella nos llamaba el petit comité. Al otro día ya se despertó mal. Vino la médica y me dijo: «Se está yendo». Así que me quedé ahí, agarrándole la mano. Yo había combinado que Sara se fuera al estudio y que yo llamaría a una de las chicas del petit comité para que le avisara. Al final, cuando pasó todo, Sara vino y yo le dije: «No vas a entrar, ¿no?». Yo quería que se quedara con la imagen de María Elena despierta."Mariana Facio, sobrina de Sara Facio (pareja de Walsh)
Sus restos fueron velados en la sede central de SADAIC y la inhumación se realizó en el panteón de la entidad en el Cementerio de la Chacarita, en el cual el músico argentino Eduardo Falú le dedicó unas palabras de despedida.

El fallecimiento causó una gran conmoción en el medio artístico, en consecuencia, muchas celebridades ofrecieron sus condolencias por los principales medios de difusión de Argentina. Todos los noticieros de aire y de cable dieron la noticia, como así también las radios y los diarios. Incluso la página oficial del Club Ferro Carril Oeste, club preferido de María Elena Walsh, hizo un reconocimiento en uno sus árticulos online.

 Obras literarias
Poesía y prosa para adultos

    Otoño imperdonable (1947)
    Apenas viaje (1948)
    Baladas con Ángel (1951)
    Casi milagro (1958)
    Hecho a mano (1965)
    Juguemos en el mundo (1970)
    Novios de antaño (1990)
    Desventuras en el País-Jardín-de-Infantes (1993)
    Fantasmas en el parque (2008)

Canciones para adultos
    Cancionero contra el mal de ojo (1976)

Literatura infantil (completa)
    La mona Jacinta. Buenos Aires: Editorial abril de 1960
    La familia Polillal. Buenos Aires: Editorial abril de 1960
    Tutú Marambá. Buenos Aires: Edición de la Autora, 1960
    Circo de Bichos. Buenos Aires: Editorial abril de 1961
    Tres morrongos. Buenos Aires: Editorial abril de 1961
    El reino del Revés. Buenos Aires: Fariña Editores, 1965
    Zoo loco. Buenos Aires: Fariña Editores, 1965
    Cuentopos de Gulubú. Buenos Aires: Fariña Editores, 1966
    Dailan Kifki. Buenos Aires: Fariña Editores, 1966
    Versos para cebollitas. Buenos Aires: Fariña Editores, 1966
    Versos folklóricos para cebollitas. Buenos Aires: Fariña Editores, 1967
    Aire libre. Libro de lectura para segundo grado. Buenos Aires: Editorial Estrada, 1967
    Versos tradicionales para cebollitas. Buenos Aires: Sudamericana, 1967
    El diablo inglés. Buenos Aires: Editorial Estrada, 1970
    Angelito. Buenos Aires: Editorial Estrada, 1974
    La sirena y el capitán. Buenos Aires: Editorial Estrada, 1974
    El país de la geometría. Buenos Aires: Editorial Estrada, 1974
    Chaucha y palito. Buenos Aires: Sudamericana, 1977
    Veo Veo. Buenos Aires: Hispamérica, 1984
    Bisa vuela. Buenos Aires: Hyspamérica, 1985
    Los Glegos. Barcelona: Lumen, 1987
    La nube traicionera (versión libre de "La nuage rose" de George Sand). Buenos Aires: Sudamericana, 1990

    Pocopán. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
    Una jirafa filarmónica. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
    Un gato de la luna. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
    La plapla. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
    El paquete de Osofete. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
    Martín Pescador y el delfín domador. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
    Historia de una princesa, su papá y . . . Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
    El gatopato y la princesa Monilda. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
    La foca loca. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
    El enanito y las siete Blancanieves. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
    Don Fresquete. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
    Manuelita ¿Dónde vas? Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1997
    Manuelita la tortuga. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1998
    Osías el osito". Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1998
    El Mono Liso. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1998
    El gato que pesca. Buenos Aires: Editorial Planeta 1999
    El show del perro salchicha. Buenos Aires: Editorial Planeta 1999
    La reina Batata. Buenos Aires: Editorial Planeta 1999
    Hotel Pioho's Palace. Buenos Aires: Alfaguara, 2002

Discografía
Con Leda Valladares (Leda y María)

    Chants d’Argentine, [1954] (Le Chant du Monde LDY-M-4021)
    Sous le ciel de l’Argentine, [1955] (London International FS 123619/WB 9113)
    Entre valles y quebradas, vol. 1, [1957] (Disc Jockey Estrellas 10071)
    Entre valles y quebradas, vol. 2, [1957] (Disc Jockey LD 15052)
    Canciones del tiempo de Maricastaña, [1958] (Disc Jockey 77076)
    Leda y María cantan villancicos (EP), [1959] (Disc Jockey TD 1007)
    Canciones de Tutú Marambá (EP), [1960] (Disco Plin s/n)26
    Canciones para mirar, [1962] (Disco Plin 102)
    Doña Disparate y Bambuco (EP), [1962] (Disco Plin 103)
    Navidad para los chicos (EP) (con Roberto Aulés), [1963] (Abril Fonorama Bolsillitos 502)

Solista

    Canciones de Tutú Marambá (EP), [1960] (Disco Plin s/n)26
    Canciones para mí, [1963] (CBS 1097)
    Canciones para mirar, [1963] (CBS 1098)
    El país de Nomeacuerdo, [1967] (CBS 1113)
    El país de la Navidad, (EP), [1968] (CBS 1762)
    Cuentopos, [1968] (CBS 1115)
    Juguemos en el mundo, [1968] (CBS 8830)
    Cuentopos para el recreo, [1969] (CBS 1125)
    Juguemos en el mundo II, [1969] (CBS 18969)
    Cuatro villancicos norteños, [1971]27 28
    El sol no tiene bolsillos, [1971] (CBS 19107)
    Como la cigarra, [1972] (CBS 19311)
    El buen modo, [1976] (Microfón SE 573)
    De puño y letra, [1976] (Microfón SE 761)
 

El mosquito

La innovación periodística del El Mosquito, redoblada por el lanzamiento que le dio la permanencia de treinta años, convierte al semanario en un proyecto más que representativo de su época y testigo de un momento histórico. Utilizando la caricatura política como sello distintivo, más el acompañamiento de un lenguaje conciso y mordaz, logró establecer un nuevo contrato de lectura con los públicos emergentes de la cultura de masas. Por asumir la empresa periodística con una actitud profesional, logró sobrellevar las dificultades económicas características de los medios gráficos contemporáneos que no gozaron de financiación estatal: El Mosquito estaba dispuesto a recurrir a 1os recursos de marketing, sino para acrecentar ganancias, al menos para conservar el proyecto periodístico.
El Mosquito no sólo constituye un material de rigor para la revisión de las páginas de la historia con un espíritu crítico, sino también que las características de su producto lo ubican en un lugar clave en la historia del periodismo, a mitad de camino entre los modelos tradicionales de revistas enciclopédicas y los novedosos semanarios populares.

Periódico semanal satírico burlesco de caricaturas 

El Mosquito, "periódico semanal satírico burlesco de caricaturas", apareció por primera vez el 24 de mayo de 1863.

Mitre, electo en octubre de 1862, intentaba organizar el país. Todo estaba por organizarse.
La primera entrega de El Mosquito consigna que sus editores son los señores Meyer y Cía. La impresión estuvo a cargo de los talleres de P. Buffet, si bien a partir del N° 5 dicha labor se llevó a cabo en la Imprenta de Pablo Coni. En su presentación, el semanario explicitaba los objetivos de su empresa:
"... Las columnas de este periodiquillo, serán un espejo de barbero: cuanta carusa rueda por este valle, se mirará en él sin preferencia, si no es la de sus merecimientos de correa..."
De inmediato las caricaturas se convirtieron en el atractivo de El Mosquito, y las firmaban H. Meyer y L. Monniot, si bien no siempre denotaban destreza y parecido en los trazos.
En mayo de 1868 la plana central apareció sin la caricatura y con grandes caracteres se decía a los lectores que se había producido una desgracia irrenunciable y que para no retrasar la salida, salían en tal forma.
A la semana siguiente, apareció en El Mosquito la primera ilustración de Stein. A sus 22 años, había llegado desde su París natal para dedicarse a la agricultura y luego a la apicultura. El fracaso con sus colmenares lo hizo recurrir a la artesanía aprendida por su padre, la ebanistería. Trabajó en ella y para ayudarse se animó a dar algunas lecciones de dibujo elemental, que dominaba por oficio. Las circunstancias hicieron que gracias a esta audacia conociera a Luciano Choquet, quien se disponía a hacerse cargo de El Mosquito.
Así pudo sustituir al dibujante oficial de la casa, presentando el primer trabajo, donde a modo de presentación se retrataba a sí mismo, explicando que se encargaría de hablar de la "feliz" situación en que se hallaba el país. Su labor fue aceptada. En la casa pronto trabó amistad con Eduardo Wilde, el redactor principal, del cual llegaría a ser íntimo y confidente.
Stein será el interprete e historiador de un mundo político enardecido hasta que la publicación deje de existir, en julio de 1893. No hubo debilidad, ni ambición, ni proyecto, ni sueño, ni vicio, ni reforma, ni pacto o convenio vituperable que no registrara con su lápiz festivo Y a veces severamente mordaz. Y en los treinta años de El Mosquito no faltaron acontecimientos: la guerra contra el Paraguay, la epidemia de fiebre amarilla, la revolución mitrista de 1874, la revolución de Tejedor, la Campaña del Desierto, la Revolución de la Unión Cívica, las sucesivas crisis de todos los gobiernos, quienes más quienes menos. Todo inserto en un clima político de profundos enfrentamientos y constantes juegos políticos, sistemas de acuerdos y pases de bando por la conquista del poder. Cuando todavía la instantánea fotográfica era un mito, Stein imprimía en los rostros, gestos y expresiones que no igualaban. Y esa perfección la adquirió con una labor constante.
En 1872 figura como director-gerente. Hacia 1875 se convierte en director propietario, hasta que en 1890 decide vender el periódico a una sociedad anónima y queda a cargo sólo de las caricaturas y la administración. 

Las palabras, los trazos y los picotones
El contenido literario del periódico era complementario de sus caricaturas y reforzaba su orientación satírica. Sin embargo, aprovechando los recursos de un lenguaje gráfico en el contexto de un periodismo que paulatinamente abandonaba la sobriedad de la tipografía absoluta, fue cediendo más espacio al contenido gráfico: Si en un comienzo las caricaturas ocupaban sólo las dos páginas centrales de las cuatro que tuvo la publicación durante toda su existencia, hacia 1880 el dibujo estuvo presente en las portadas, y muchas veces también en las contratapas, por lo que en algunas ocasiones el texto llegó a ser prácticamente inexistente.
No obstante la brevedad de su redacción, la pluma ocupó un lugar de importancia, sobre todo en cuestiones en que la abstracción de la palabra no podía resolverse con dibujos. Allí iban a parar los contenidos verbales en secciones como Soliloquios, Diversiones Públicas, Crítica Literaria (que subtitulaba "Artículo Serio", por cualquier malentendido) y Picotones.
El sarcasmo con que se expresaba muchas veces tuvo que ver con una actitud crítica frente a las frivolidades de la clase dominante.
Fuera de la intención burlona, los contenidos literarios tenían la intención de diversificar la propuesta temática de la revista. Por eso daba gran importancia a realizar crónicas de espectáculos en boga, de convenciones y otras variedades. No obstante hubo ediciones monotemáticas, aunque no estaban referidas a un suceso político, sino policial. Así, a propósito de varios crímenes que transcendieron por su aberración, El Mosquito publicó extensísimas crónicas impresas en un cuerpo de letra reducido, que ocupaba la totalidad de sus dos páginas centrales, al tiempo que las ilustraciones secuenciaban la reconstrucción del hecho hasta el momento de su esclarecimiento.
El espíritu festivo de la revista no impedía que fuera interrumpido cuando una circunstancia de índole mayor así lo requería. El compromiso y la postura ética siempre estuvieron por encima de su carácter jocoso. Muchas veces Stein se involucraba en las ilustraciones en una actitud abatida, como durante la guerra contra el Paraguay, cuando las noticias de las pérdidas de vidas humanas eran tema excluyente en la opinión publica. El epígrafe de un autorretrato de Stein dice "¿Qué tal Mosquito? ¿No te ríes hoy? A lo que Stein responde¿ qué quieres que haga? ¿ Cómo va uno a combinar caricaturas con semejantes noticias? "
Las posturas solidarias también se referían al plano internacional, como la edición del 4 de junio de 1882, a propósito de la muerte de Garibaldi: Cuando la Italia l/ora a su más ilustre patriota, cuando el mundo entero deplora la muerte del más glorioso ciudadano, el caricaturista debe dejar de reír para tomar su parte en el dolor universal. Semanas después publica en la portada el retrato de Garibaldi y en el interior el dibujo ilustra los honores fúnebres al ilustre José Garibaldi. Entre ellos, Stein se incluye, cubriéndose el rostro con las manos. 

La empresa periodística En 1868 su editor gerente, Milhas Victor, introdujo una variación que poco trascendió: durante el mes de abril se convirtió en un periódico diario, con redacción en la calle Potosí 38, y sin dejar de publicar la entrega dominical dedicada a las caricaturas. Presentó noticias, crónicas exteriores, boletín de la Bolsa, remates, y hasta un folletín, "La senda de los ciruelos" de Paul de Kock, traducido por Julio Nombela. Al mes fracasó, pero para ponerse al día con suscriptores y anunciantes, salió dos veces por semana jueves y domingos. Entonces su impresor era Bernheim.
El marketing a través del valor agregado, tan común en los medios gráficos actuales, era un recurso que El Mosquito supo utilizar desde su aparición: Los editores brindaban a los suscriptores una docena de tarjetas fotografías, ejecutadas por el artista Sigismundo, cuya galería estaba en el mismo local del periódico. Por este trabajo, una novedad en Buenos Aires, los suscriptores en lugar de tarjetas de visitas, podían presentar sus imágenes más o menos nítidamente fotografiadas. El obsequio cobra magnitud si tenemos en cuenta un contexto en que el desarrollo de la fotografía era todavía muy incipiente. Otro de los obsequios que ofrecían a los lectores que se suscribieran por todo un año, era el de una colección de retratos al lápiz de diferentes protagonistas de la vida política. Algo que hoy parecería' completamente fútil, pero que seguramente en su época fue valorado.
En 1881 comenzaron a aparecer los primeros avisos litografiados. El 14 de febrero de 1883, en un único número a dos colores, obviamente por un requerimiento del anunciante, se publicitó en toda la contratapa, la Cerveza Bieckert. La variedad y masividad de los anuncios no sólo configuraban a un público popular, sino que también este perfil se delineaba a través de los textos publicitarios: los precios de Antonio Pozzo son: módicos, un médico ofrece sus servicios gratis a los pobres, una tienda de bebidas se presenta a sus clientes potenciales llamando "a todos los que gusten de lo bueno y barato ". 

EL MOSQUITO EN LA PRENSA DIARIA

Si bien el periodismo contemporáneo ya comienza a dar muestras de una reformulación, El Mosquito delineó su proyecto en este lugar vacante: despojado de simpatías políticas, establece un nuevo contrato de lectura a través de una fórmula fresca, divertida y desenfadada. La objetividad -postulado esencial de una prensa moderna- respondía menos a carácter esencialmente independiente del periódico que a la necesidad de aparentado: en virtud de que su público no estaba inserto en el mundillo político, la política le era ajena. A partir de esta premisa, El Mosquito propuso a sus lectores una Suerte de participación política que residía en la crítica constante. Como un estilo que sellaba a la publicación: todo era digno de ser parodiado, ridiculizado. Suerte de fiscal, y de alguna manera, fomentador de opinión, a un público que no tenía ninguna opinión formada.
Buscando un lugar dentro del periodismo diario, y aprovechando sus carteles de independencia, tal vez es que este semanario haya intentado vanamente aparecer en forma diaria, proponiéndose como una alternativa entre la llamada prensa nacionalista y prensa situacionista. Aunque esta empresa fracasara, el semanario insistirá en insertarse dentro del diarismo como un modelo de verdad frente al resto de las publicaciones de la prensa diaria, como se deja entrever en el editorial que publica con motivo de su 13° aniversario en mayo de 1875: El Mosquito ha entrado el día 24 en sus 13 años.
No sólo se propone como un modelo entre la prensa de la clase dominante sino también entre muchos semanarios populares, cuyas actitudes críticas hacia el gobierno y sus intencion1idades denigrantes ponían en cuestionamiento los valores institucionales. Como intentaremos demostrar más adelante, oposición que presentaba El Mosquito, lejos de ser una actitud anárquica, respondía a una connotación retórica. Sin embargo, el tono excesivamente coloquial en que El Mosquito se dirige a sus colegas roza el límite de la difamación y de la irreverencia.
Con la consolidación de La Nación y La Prensa como los diarios de más importancia, las críticas al diario de Mitre comenzaron a ser sistemáticas, ejerciendo el doble efecto de matar a político y periódico de un mismo tiro. L a Prensa, en cambio no obstante los antiguos reproches, comienza a recibir elogios de EL Mosquito por su imparcialidad, elogios que de paso le permiten al semanario legitimarse a sí mismo como lugar de autoridad dentro del "gran periodismo".
El Mosquito constantemente se Jactaba de ser el pionero en anunciar y promover el desencadenamiento de algún acontecimiento político, como el famoso abrazo entre Mitre y Avellaneda en 1877. .
La oposición a revistas clericales como La Unión y La Beata, fue explotada por El Mosquito a partir del famoso crimen de Olavarría en la que un religioso español había matado a su hija ya su esposa.
La costumbre de criticar. a la prensa diaria a menudo empleaba la técnica de simular una coincidencia con el medio habitualmente combatido, lo que realzaba el efecto burlón en el desenlace del artículo en cuestión. Tal es el caso del editorial expresado a propósito difundirse la noticia de que Sarmiento había defendido las pretensiones chilenas en la Patagonia. Este proceder había sido desaprobado por todos los periódicos, excepto por La Tribuna, y El Mosquito se apresuraba a prestarle su solidaridad mordaz.
Sarmiento, el peor de todos
La caricatura política era para El Mosquito una forma de explorar y aprovechar los innumerables enconos políticos que caracterizaron el transcurso de su aparición y la de sus personalidades protagónicas. Y aunque Avellaneda, Tejedor, Alsina y tantos otros hayan pasado a la inmortalidad en el lápiz de Stein, se entiende que la ambición desmedida de Mitre y la personalidad explosiva de Sarmiento los hayan convertido en sus personajes privilegiados, incluso en momentos en que no necesariamente formaban parte de la crónica diaria.
Sin embargo, todas las burlas, caricaturas y hasta agravios que ha recibido Sarmiento son salvados con motivo de su muerte. El día 16 de septiembre de 1888 la portada tiene su retrato, sin ningún epígrafe.
A la semana siguiente, refuerza sus honores en una ilustración que ocupa la totalidad de las páginas centrales: en ella se representa el Cielo. San Martín, al lado de otros forjadores de la historia como Belgrano, Moreno, Rivadavia, Alsina y Avellaneda, invita a Sarmiento a unirse con ellos: "Venga, Don Domingo, sea Ud. bienvenido, que aquí hay lugar para los que como Ud. han servido bien a la patria y al progreso ".
Todos: los retratos de políticos y próceres efectivos son una prueba de ello. No sólo le permitieron eludir censuras oficiales, sino también dejar en claro su solidaridad con aquellos hombres que forjaban -para bien o mal- el porvenir del país.
En la última etapa la revista, adquirida por una sociedad anónima, adquiere un tono más moderado. La recepción que El Mosquito hizo de la revolución de la Unión Cívica a Juárez Celman, enmarcada en un contexto económico insostenible, de alguna manera favoreció a Juárez: y su renuncia, tan bienvenida en casi toda la prensa, no tuvo su caricatura correspondiente: en el número del 10 de agosto de 1890 apareció, en cambio, un retrato de Carlos Pellegrini, su sucesor.
El estilo complaciente que adquiere El Mosquito en los últimos años no alcanza, sin embargo, a ensombrecer su vasta obra crítica e incisiva hacia los protagonistas de la vida política de nuestro país. El Mosquito, seguramente el semanario satírico más representativo de su tiempo, supo aprovechar y adaptarse al contexto en el que se insertó a través de la caricatura y el empleo de un lenguaje fresco y mordaz, elaborando propuestas que en muchos casos hoy permanecen vigentes. Revisar sus páginas no sólo nos facilitará la comprensión de nuestro pasado: También nos ayudará a entender nuestra época.